Call Me By Your Name: Sobre La Belleza

Call Me By Your Name de Luca Gudagnino puede ser resumida como una película sobre el primer amor. La historia es bastante simple: un estudiante de posgrado (Oliver) visita Italia para estudiar arqueología y durante su breve estadía se enamora de Elio, el hijo del profesor con el que trabaja.

Pero la ventaja del arte es aquella de dotar de verdad a esas cosas que con tanta facilidad podemos expresar. Es fácil describir la historia pero es mucho mas díficil transmitirla. Guadagnino lo hace magistralmente. La obra de arte que el director italiano ha creado es una que trata de exploración y de la belleza asociada con ese descubrimiento.

Hay bastantes elementos que trabajan en conjunto en el contexto de Call Me By Your Name. El tema de estudio de los personajes es la arqueología. En específico se enfocan en la exploración del arte griego en Italia. Es decir, la busqueda de la belleza antigua. La escultura griega se caracteriza por la idealización del cuerpo humano. Las formas, a veces anatómicamente imposibles, exhuberan belleza platónica. Lo platónico es aquello inalcanzable, aquello fuera del mundo material. En estas formas griegas, sus artistas plasmaron una belleza efímera. Ahora la descubrimos deteriorada, olvidada y exaltada a través de su descubrimiento. Es decir, la obra de arte no es infinita: se materializa y decae hacia una muerte temporal de la que despierta cuando es re-descubierta. Una vez que vuelve a la vida, la obra de arte tiene un nuevo significado. Ahora liberada de su espacio-tiempo, adquiere mil nuevos significados. ¿Entonces era realmente platónica?

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El otro punto contextual importante es el lenguaje. El lenguaje está estrechamente ligado a la arqueología. Y en el caso de las lenguas occidentales, las raíces las trazamos al griego y al latín principalmente. En una escena, los personajes discuten el origen de la palabra albaricoque (chabacano) y la evolución de la misma a través de los siglos. El punto es que el lenguaje evoluciona, se adapta y se transforma según su contexto. Los grafemas son constantemente re-interpretados. En una expresión del zeitgeist, las palabras adquieren nuevos significados. Al igual que el arte, el lenguaje es re-descubierto constantemente y, en un ejercicio postestructuralista, el significado de las palabras es fluido.

Ahora pues, podemos ver que en el trasfondo, Guadagnino sitúa esta idea de evolución de las cosas. Además, nos prepara para entender a la belleza como algo efímero destinado a entenderse con la distancia del tiempo.

Cuando conocemos a Oliver, la primera impresión de Mr. Perlman es que Oliver es una figura imponente. Esta idea de Oliver como algo más que un humano se construye a través de las tomas de Oliver. Una y otra vez, cuando Elio y Oliver comparten escenas, vemos a Oliver desde abajo, como veríamos una escultura. El físico de Oliver es también el de una escultura griega. Pero la verdadera belleza yace en la relación de Elio y Oliver. Para Elio, todo es un acto de descubrimiento. Si bien, Oliver es esa obra de arte que Elio descubre, el arte sucede cuando los dos se unen, aludiendo a esa idea postestructuralista de la dependencia del significado del objecto de un significador. La construcción del amor en este filme se hace de esta forma: Elio y Oliver participan en una dialéctica semiótica en la cual Elio descubre el amor a través de Oliver. El resultado, la relación entre estos, es la obra de arte. La belleza de las imágenes del filme es indescutible. La fotografía es impecable y ese valor artístico eleva esta historia a un nivel contemplativo.

La relación entre estos dos termina. Como el arte que estudian los personajes, el tiempo pone un ultimátum a esta obra. Y una vez que termina, es muy doloroso. La película termina con esta muerte del amor entre Elio y Oliver. La última escena tiene a Elio frente al fuego llorando mientras repite en su mente, una y otra vez, esta historia que acaba de concluir. Su expresión nos dice que a través de ella, solo encuentra dolor, ante la ineludible realidad de la conclusión. Is it a video, is it a video repite una y otra vez Sufjan Stevens en el fondo en la canción Visions of Gideon. Esta es la clave. Su primer amor, esa obra de arte, se ha convertido en otro objeto que ha decaído y deberá ser re-descubierto en un futuro. Sólo al verlo como un video en el futuro, Elio podrá apreciar su belleza. En este momento, el objeto que fue esa historia de amor sólo significa sufrimiento porque ha terminado. Pero el tiempo, la madurez y la evolución de Elio le darán un nuevo significado. Tal como las raíz de las palabras, esta experiencia del primer amor es raíz de muchas otras cosas en la vida de Elio. Tal como el arte griego, estaba destinado a ser efímero. Pero también es platónico, porque persiste en esencia, aunque su significado sea fluido.

El final es triste pero no trágico. La audiencia, con la ventaja de una perspectiva más objetiva, puede aceptar el valor de lo que Elio ha vivido, aun si no podemos negar el dolor que le ocasiona en el instante. Al final, toda esta retórica que he escarbado de Call Me By Your Name es transparente. Es decir, no obscurece el valor más grande de la pelicula: la narrativa. La historia es contada con naturalidad, llevada a cabo por las increíbles actuaciones de todo el elenco. Mi película favorita del este año.

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Boyhood. Adulthood. Life.

La vida. Ese es el tema de la última de Richard Linklater, la película Boyhood.

En esta entrada, como en muchas otras sobre el arte, no discuto la obra sino el reflejo que se dibuja cuando la vemos. El arte muchas veces es ese cristal diáfano que juega el papel de ventana y de espejo. Los espejos son necesarios para el artista y para la audiencia porque las palabras por sí solas no logran articular esa elocuencia límbica del ser humano. Necesitamos de silencios y de cacofonías y de una precipitada lluvia sobre un techo de metal para finalmente poder ver la lluvia.

SPOILERS

Boyhood es un filme lineal, brutalmente realista y cotidiano. En él no sucede nada de lo que estamos acostumbrados a ver en el cine popular. No hay un conflicto concentrado en algún momento del tiempo. El conflicto está diluido en la vida misma de los personajes. Ésta es la realización de la película: la vida no puede ser segmentada en eventos o secuencias. La vida se construye a cada instante, no hay más que el momento mismo. La expectativa y la ilusión de una vida estructurada, de un tiempo lineal, siempre termina en decepción.

No hay pesimismo en Boyhood. Tampoco hay optimismo. Hay.

Las cosas surgen y desaparecen.

En Boyhood las edades no se definen concretamente y los periodo de tiempo son fluidos y flexibles. Es decir, la pelicula fluye continuamente. No hay una discretización temporal ni espacial. Posiblemente sea la obra cinematográfica más fiel a la experiencia de vida. La pelicula no empieza ni termina. En una escena Mason es niño, en otra escena Mason es adulto. Y aunque las horas del reloj hayan transcurrido, el adulto tiene las mismas inquietudes del niño. ¿Quién podría asegurar que el niño precede al adulto? En esta historia científica que contamos, así lo es. Pero la experiencia de vida trasciende la linealidad de nuestras historias.

The Tree of Life: una reflexión

Pocas películas me han impactado tanto como lo hizo la última entrega de Terrence Malick, donde si bien la fábula toma precedente, el argumento es confuso, divergente e intencionalmente vago. No obstante, el tema es simple, esencial e ineludible para el humano que confronta al universo con los ojos atentos. La temática es aquella que nos agobia desde el inicio de la conciencia humana: el significado de la vida.

¿Porqué hay algo en vez de nada?

The Tree of Life muestra el curso del universo, desde el inicio de los tiempos hasta el fin del sistema solar. Todos tenemos una idea más o menos clara de cómo sucedieron las cosas, pero no hay nada más impactante que verlo en la pantalla grande con música y la sutil narración de los personajes. Ya una vez había hablado de la necesidad de embelesar la realidad a través del arte para expresarla en su plena autenticidad; éste es uno de esos casos, en los que sólo a través del arte podemos expresar la realidad en todo su esplendor.

Durante la creación del mundo los padres de Jack le expresan su amor, incluso antes de conocerlo. Y nos habla de ese amor tan inmenso del que el humano es capaz. Pero más que eso, no es sólo el amor entre humanos, sino aquél que se siente por toda la creación. Es decir, billones de años de evolución del universo culminan en la capacidad humana de reconocer la condición universal de la que todos formamos parte. Malick nos muestra una escena en la que un dinosaurio siente compasión por otro y perdona su vida, ésta es su forma de decirnos que la compasión, el amor, la gracia, son todas éstas cualidades intrínsicas en el universo y como producto de éste, también lo son en nosotros.

El conflicto de la película está en el personaje de Mr. O’Brien, cuya condición en el mundo lo lleva a desconocer la belleza de la vida y a verla con desconfianza y recelo. Vemos cómo esto, poco a poco, también afecta a Jack que confundido actúa con actos de vandalismo y destrucción. En cambio, vemos la gracia personificada en Mrs. O’Brien quien reconociendo la infinita belleza del universo, actúa en concordancia a ella.

Sin embargo, la película no argumenta a favor o en contra de ninguna posición, se desenvuelve como un espectador pasivo. Simplemente expresa con extrema serenidad la condición humana como resultado de tantos años de evolución. Y es que es necesario poner en términos relativos la existencia humana, como hito del tiempo y del espacio. La existencia humana es el esfuerzo del universo por conocerse y ante el auto-reconocimiento nace por primera vez (hasta donde sabemos) el amor. El amor por el projimo es el amor por los primeros fotones que iluminaron la oscura inexistencia del universo, es el mismo amor por todas aquellas estrellas que han muerto y de las cuales somos producto.

No obstante la relevancia de nuestra existencia, es un evento brevisimo en la vida del universo. La nuestra es una muerte anunciada, esperada y sin embargo, ineludible. Por ello la importancia de la momentaneidad en nuestras vidas. Porque incluso la existencia de nuestra especie es tan sólo un suspiro en la vida del universo. Pero como cada respiro de la creación está cargada de infinita belleza sólo reconocible en los escondidos instantes de la rutina diaria. Pero queda la cuestión del sufrimiento, que es resultado de confundir la vida con algo más de lo que es. Ésta no es más que un breve episodio en el cual el universo se manifiesta en la conciencia humana con el propósito de mejorar, de aprender, de enriquecer la condición universal, no hacerlo es un gran error.

Al final, ver al Sol convertido en un enano blanco, destinado a yacer eternamente en la oscuridad es una escena que me llena de desconsuelo. Pero vemos a Mrs O’Brien aceptando la muerte, entregando a su hijo a la creación, donde todo el material cósmico, incluyendo aquél tan misterioso que forma la conciencia humana vuelve al origen y la evolución en el tiempo continúa. La película se aventura a preguntar, ¿es posible que la naturaleza humana sea un evento que se pueda repetir en el futuro del universo? Y Malick responde con un optimista sí.

the Third & the Seventh

Alex Román ha publicado su trabajo más reciente y es impresionante. Ha sido todo hecho con CGI y presenta la fusión entre Arquitectura y Cine de una bellísima manera. Se los recomiendo de sobremanera, y si no funciona, tengan paciencia, la página parece fallar por el tremendo tráfico que recibe Román.

Sigan su recomendación y veánlo en pantalla completa, The Third and the Seventh.

Sería acertado predecir que este video va a abrirle muchas más puertas a Alex Román, quién ha demostrado un talento desbordado tanto en el aspecto técnico como narrativo. Espero ver mucho más trabajos de él en el futuro cercano.

En este proyecto hacen aparición Kahn, Gehry, Calatrava entre otros.

Anticristo

He tenido la oportunidad de ver la última de Lars Von Trier, Anticristo. Anteriormente, sólo he visto Dogville y Manderlay del mismo director. Y ambas me impactaron de sobremanera, por lo que estaba ansioso por ver Anticristo.

Me parece que aunque no tenga claro el significado del filme, Lars Von Trier muestra dominio total sobre técnica y narrativa. La película se desarrolla segura de cada movimiento que hace, cada palabra y toma se desenvuelve con completa seguridad. Esto incomoda al ver al arte desenvolviéndose con tanta naturalidad y la audiencia perdida ante la impactante composición visual del filme.

A continuación spoilers.

Como se ha dicho en tantas partes, el Prólogo es bellísimo. Las imágenes contienen una intensidad parecida a la de Bergman y cada acto se convierte, a través del filtro visual, en un acto de inocencia, que ultimadamente resulta en la caída. Es posible que esta escena sea una reinterpretación del Génesis y por tanto todo acto es inocente, hasta la caída del hijo, que representa un cambio abrupto y nada vuelve a ser igual. El exilio de Edén.

Mas, regresan a Edén a confrontar sus miedos. Y vamos entendiendo tanto a Él como a Ella, descubriendo que no se aman, sino que el la ve como una paciente más y la tortura confrontándola con lógica. Mientras que ella sucumbe al cáos y la irracionalidad del miedo. Descubrimos que lo que más teme es a ella misma y que mucho del daño es infligido por ella misma. ¿La deformidad que le ocasionó a su hijo pudo haber sido la causa de su caída? Inclusive en un recuerdo, que puede ser real o no, se da cuenta de que ella vio al niño caerse y no hizo nada. Y si es así, la automutilacion a la que se sujeta puede ser respuesta al odio que se tiene hacia sí misma. De lo que podríamos deducir que también lo odia a Él y a su hijo, pues también los mutiló.

Y sin embargo, tales acciones podrían prestarse a otras interpretaciones. ¿Qué representa cada uno de los animales, el cuervo, el zorro y el venado? ¿Y The Three Beggars? Hay también un énfasis en la trinidad, El Hijo, El Padre y La Madre; Grief, Pain, Despair; The Three Beggars; Prólogo, historia, Epílogo. Sin embargo, Anticristo no es una guerra contra Jesucristo. Sino una realidad opuesta a los valores de Jesucristo, en el sentido de Nietzsche. Y si es así, Edén es la representación del mal, en el que el bien puede existir pero siempre sera combatido por el mal, que tiene más derecho de existir por ser parte de la naturaleza.

No más spoilers.

Está claro que Anticristo es un filme que tiene muchas cualidades y enfatiza su valor interpretativo, como todo arte. Más que una historia, Lars Von Trier ha creado una experiencia que despierta ciertas emociones que podrían ser más importantes que la narrativa que cuenta. Al final, es una película que admiro y sin embargo, no quisiera que el futuro del cine sea de Lars Von Trier. No obstante, su arte es bien recibido y necesario, en mi caso.

Top 9 del 2009

Podría enlistar las mejores películas del año, pero siempre es mucho más absurdo y divertido ponerle un orden a las listas. Por eso presento lo que me pareció fue lo mejor del 2009 en el cine. Sin embargo, debido a que hay una gran cantidad de cintas que no he visto, esta lista está incompleta y podría ser modificada en el futuro, cuando mi acervo se enriquezca.

9. Knowing

Esta cinta dividió radicalmente a las audiencias. Hay a quienes les gusta mucho, y los que la odian. En lo personal, me gusta toda la película, de principio a fin. Me recordó un poco a la última de Indiana Jones, por la integridad que mantiene. Me refiero al no perder el espíritu de la premisa, a ir un poco más allá y convertirse en una historia de ciencia ficción muy memorable, obscura y enérgica. También marca la primer película de Nicolas Cage que verdaderamente he disfrutado en mucho tiempo.

8. Watchmen

Otra película que dividió audiencias, sin embargo su buen recibimiento fue más generalizado que la anterior. Watchmen está basado en la novela gráfica del mismo nombre de Alan Moore, y sin duda alguna tiene una de las mejores historias que jamás se hayan impreso en el mundo de los comics. Aunado a eso, la adaptación presenta una variada gama de música que enriquece la atmósfera, y sin cambiar casi nada, Snyder ha creado una película con mucho estilo, gran historia y buena música.

7. Harry Potter and the Half-Blood Prince

Aunque muchos no estén de acuerdo, a mi parecer esta película es una gran adaptación de la novela de Rowling. Me parece un gran avance considerando las debilidades de su antecesor, por el mismo Yates. Es parcialmente el hecho de que Half Blood Prince tenga mejor historia que Order of the Phoenix, pero también la gran edición de escenas y la fotografía espectacular de la película. El balance entre la adolescencia y la historia de Voldemort, el punto medio preciso entre el humor y lo obscuro y el gran Michael Gambon que interpreta a Dumbledore a la perfección en este filme.

6. Star Trek

Nunca fui fan de la serie original y no tenía muchas expectativas por esta película, pero al final quedé sorprendido. Tiene una historia solida, personajes complejos y efectos increibles. Mi única queja sería en el departamento de villanos, sacados directamente del prototipo clásico de la colección de los malos; con aspecto villanesco, enojados y con sed de venganza. Pero el equipo de los buenos goza de muy buenos personajes y ya que la película se enfoca en ellos, no deja de ser buena.

5. Up

Como otras películas de Pixar, Up tiene una impresionante calidad visual y una historia muy buena. El inicio es cruel, es casi una crueldad intencional para mostrar que la vida es igual de cruel. El resto es drámatico, pero muy chistoso. Pixar mantiene esa habilidad para hacernos reir tanto a niños como a adultos. Sin duda, Up es una gran película y muy memorable.

4. Avatar

Esta es una gran experiencia cinematográfica, para ser vista en el cine en 3D. Temo que necesitaré un gran equipo en mi casa para poder disfrutarla como debe ser cuando salga en Blu-Ray. Sin embargo, Avatar no es simplemente grandes efectos, aunque en cierto sentido eso es todo lo que es, porque el realismo del mundo que Cameron crea es la esencia de la historia que cuenta. Definitivamente será todo un clásico por décadas y décadas, y no sólo por la increíble tecnología que emplea, sino por el cuidado a los personajes y la integridad de la película en sí. Las intenciones de Cameron son claras, no quiere otra película para un rato de diversión, quiere algo más memorable e igualmente entretenido. Lo ha logrado.

3.  Drag Me To Hell

En cuestiones de terror hay de todo. Hay aquellas películas que se toman muy en serio y pueden causar pesadillas, The Ring, The Shining por nombrar algunas. Hay aquellas que se toman muy en serio pero son demasiado tontas para que alguien más las tome en serio, The Boogeyman. Hay aquellas que como Drag Me To Hell no se toman muy en serio y sin embargo son realmente efectivas por las mismas razones. Drag Me To Hell cuenta con una gran banda sonora y una historia muy original. También contiene escenas exageradísimas y varias instancias de contaminación de fluidos corporales. Y tiene a un demonio que no se da por vencido y que no se anda con rodeos. Un humor muy ácido con el que maneja la inverosimilidad de la historia. Todos estos elementos convierten a Drag Me To Hell en una de las mejores peliculas del año.

2. (500) Days of Summer

Una película que trata de la relación casual entre dos personas y lo que pasa en 500 días de conocerse. No parece mucho y es probablemente esa la razón por la cual es tan buena película. Porque no exalta falsamente a la relación como algo ideal y ultimadamente perfecto. Sino que experimenta con las percepciones de ambas partes para mostrar lo bello y lo malo de las relaciones humanas. Cuenta con muy buena música, buenas actuaciones y una edición muy efectiva, que no es cronológica y obedece más a los estados de ánimos de Tom.

1. Inglourious Basterds

¿Porqué Basterds y no Bastards? Y es que no importa, nos dice Tarantino, porque Hitler no murió así ¿pero que tal sí hubiese sido así? Inglourious Basterds representa una genuina experiencia cinematográfica porque contiene todos los elementos de entretenimiento y estílistica que hacen al cine el séptimo arte. Música, actuación, fotografía, historia, diálogos… todo funciona en esta película de Tarantino, al igual que lo hizó en Pulp Fiction. Y por eso, Inglourious Basterds es a mi parecer la mejor película del año.

Louis Kahn

Felicidades a Alex Román quien ha producido este video con bellísimas imágenes de la Biblioteca de la Academia Philips Exeter. La experiencia es análoga a la de estar ahí. El trabajo de Kahn es poético, grandioso e intenso. Así lo presenta este trabajo, enfatizando los juegos de luz, las cicatrices del tiempo, la integridad del edificio, la impecable geometría…

Kahn’s Exeter Short Film from Alex Roman on Vimeo.