La vida. Ese es el tema de la última de Richard Linklater, la película Boyhood.

En esta entrada, como en muchas otras sobre el arte, no discuto la obra sino el reflejo que se dibuja cuando la vemos. El arte muchas veces es ese cristal diáfano que juega el papel de ventana y de espejo. Los espejos son necesarios para el artista y para la audiencia porque las palabras por sí solas no logran articular esa elocuencia límbica del ser humano. Necesitamos de silencios y de cacofonías y de una precipitada lluvia sobre un techo de metal para finalmente poder ver la lluvia.

SPOILERS

Boyhood es un filme lineal, brutalmente realista y cotidiano. En él no sucede nada de lo que estamos acostumbrados a ver en el cine popular. No hay un conflicto concentrado en algún momento del tiempo. El conflicto está diluido en la vida misma de los personajes. Ésta es la realización de la película: la vida no puede ser segmentada en eventos o secuencias. La vida se construye a cada instante, no hay más que el momento mismo. La expectativa y la ilusión de una vida estructurada, de un tiempo lineal, siempre termina en decepción.

No hay pesimismo en Boyhood. Tampoco hay optimismo. Hay.

Las cosas surgen y desaparecen.

En Boyhood las edades no se definen concretamente y los periodo de tiempo son fluidos y flexibles. Es decir, la pelicula fluye continuamente. No hay una discretización temporal ni espacial. Posiblemente sea la obra cinematográfica más fiel a la experiencia de vida. La pelicula no empieza ni termina. En una escena Mason es niño, en otra escena Mason es adulto. Y aunque las horas del reloj hayan transcurrido, el adulto tiene las mismas inquietudes del niño. ¿Quién podría asegurar que el niño precede al adulto? En esta historia científica que contamos, así lo es. Pero la experiencia de vida trasciende la linealidad de nuestras historias.

Alex Román ha publicado su trabajo más reciente y es impresionante. Ha sido todo hecho con CGI y presenta la fusión entre Arquitectura y Cine de una bellísima manera. Se los recomiendo de sobremanera, y si no funciona, tengan paciencia, la página parece fallar por el tremendo tráfico que recibe Román.

Sigan su recomendación y veánlo en pantalla completa, The Third and the Seventh.

Sería acertado predecir que este video va a abrirle muchas más puertas a Alex Román, quién ha demostrado un talento desbordado tanto en el aspecto técnico como narrativo. Espero ver mucho más trabajos de él en el futuro cercano.

En este proyecto hacen aparición Kahn, Gehry, Calatrava entre otros.

He tenido la oportunidad de ver la última de Lars Von Trier, Anticristo. Anteriormente, sólo he visto Dogville y Manderlay del mismo director. Y ambas me impactaron de sobremanera, por lo que estaba ansioso por ver Anticristo.

Me parece que aunque no tenga claro el significado del filme, Lars Von Trier muestra dominio total sobre técnica y narrativa. La película se desarrolla segura de cada movimiento que hace, cada palabra y toma se desenvuelve con completa seguridad. Esto incomoda al ver al arte desenvolviéndose con tanta naturalidad y la audiencia perdida ante la impactante composición visual del filme.

A continuación spoilers.

Como se ha dicho en tantas partes, el Prólogo es bellísimo. Las imágenes contienen una intensidad parecida a la de Bergman y cada acto se convierte, a través del filtro visual, en un acto de inocencia, que ultimadamente resulta en la caída. Es posible que esta escena sea una reinterpretación del Génesis y por tanto todo acto es inocente, hasta la caída del hijo, que representa un cambio abrupto y nada vuelve a ser igual. El exilio de Edén.

Mas, regresan a Edén a confrontar sus miedos. Y vamos entendiendo tanto a Él como a Ella, descubriendo que no se aman, sino que el la ve como una paciente más y la tortura confrontándola con lógica. Mientras que ella sucumbe al cáos y la irracionalidad del miedo. Descubrimos que lo que más teme es a ella misma y que mucho del daño es infligido por ella misma. ¿La deformidad que le ocasionó a su hijo pudo haber sido la causa de su caída? Inclusive en un recuerdo, que puede ser real o no, se da cuenta de que ella vio al niño caerse y no hizo nada. Y si es así, la automutilacion a la que se sujeta puede ser respuesta al odio que se tiene hacia sí misma. De lo que podríamos deducir que también lo odia a Él y a su hijo, pues también los mutiló.

Y sin embargo, tales acciones podrían prestarse a otras interpretaciones. ¿Qué representa cada uno de los animales, el cuervo, el zorro y el venado? ¿Y The Three Beggars? Hay también un énfasis en la trinidad, El Hijo, El Padre y La Madre; Grief, Pain, Despair; The Three Beggars; Prólogo, historia, Epílogo. Sin embargo, Anticristo no es una guerra contra Jesucristo. Sino una realidad opuesta a los valores de Jesucristo, en el sentido de Nietzsche. Y si es así, Edén es la representación del mal, en el que el bien puede existir pero siempre sera combatido por el mal, que tiene más derecho de existir por ser parte de la naturaleza.

No más spoilers.

Está claro que Anticristo es un filme que tiene muchas cualidades y enfatiza su valor interpretativo, como todo arte. Más que una historia, Lars Von Trier ha creado una experiencia que despierta ciertas emociones que podrían ser más importantes que la narrativa que cuenta. Al final, es una película que admiro y sin embargo, no quisiera que el futuro del cine sea de Lars Von Trier. No obstante, su arte es bien recibido y necesario, en mi caso.

Podría enlistar las mejores películas del año, pero siempre es mucho más absurdo y divertido ponerle un orden a las listas. Por eso presento lo que me pareció fue lo mejor del 2009 en el cine. Sin embargo, debido a que hay una gran cantidad de cintas que no he visto, esta lista está incompleta y podría ser modificada en el futuro, cuando mi acervo se enriquezca.

9. Knowing

Esta cinta dividió radicalmente a las audiencias. Hay a quienes les gusta mucho, y los que la odian. En lo personal, me gusta toda la película, de principio a fin. Me recordó un poco a la última de Indiana Jones, por la integridad que mantiene. Me refiero al no perder el espíritu de la premisa, a ir un poco más allá y convertirse en una historia de ciencia ficción muy memorable, obscura y enérgica. También marca la primer película de Nicolas Cage que verdaderamente he disfrutado en mucho tiempo.

8. Watchmen

Otra película que dividió audiencias, sin embargo su buen recibimiento fue más generalizado que la anterior. Watchmen está basado en la novela gráfica del mismo nombre de Alan Moore, y sin duda alguna tiene una de las mejores historias que jamás se hayan impreso en el mundo de los comics. Aunado a eso, la adaptación presenta una variada gama de música que enriquece la atmósfera, y sin cambiar casi nada, Snyder ha creado una película con mucho estilo, gran historia y buena música.

7. Harry Potter and the Half-Blood Prince

Aunque muchos no estén de acuerdo, a mi parecer esta película es una gran adaptación de la novela de Rowling. Me parece un gran avance considerando las debilidades de su antecesor, por el mismo Yates. Es parcialmente el hecho de que Half Blood Prince tenga mejor historia que Order of the Phoenix, pero también la gran edición de escenas y la fotografía espectacular de la película. El balance entre la adolescencia y la historia de Voldemort, el punto medio preciso entre el humor y lo obscuro y el gran Michael Gambon que interpreta a Dumbledore a la perfección en este filme.

6. Star Trek

Nunca fui fan de la serie original y no tenía muchas expectativas por esta película, pero al final quedé sorprendido. Tiene una historia solida, personajes complejos y efectos increibles. Mi única queja sería en el departamento de villanos, sacados directamente del prototipo clásico de la colección de los malos; con aspecto villanesco, enojados y con sed de venganza. Pero el equipo de los buenos goza de muy buenos personajes y ya que la película se enfoca en ellos, no deja de ser buena.

5. Up

Como otras películas de Pixar, Up tiene una impresionante calidad visual y una historia muy buena. El inicio es cruel, es casi una crueldad intencional para mostrar que la vida es igual de cruel. El resto es drámatico, pero muy chistoso. Pixar mantiene esa habilidad para hacernos reir tanto a niños como a adultos. Sin duda, Up es una gran película y muy memorable.

4. Avatar

Esta es una gran experiencia cinematográfica, para ser vista en el cine en 3D. Temo que necesitaré un gran equipo en mi casa para poder disfrutarla como debe ser cuando salga en Blu-Ray. Sin embargo, Avatar no es simplemente grandes efectos, aunque en cierto sentido eso es todo lo que es, porque el realismo del mundo que Cameron crea es la esencia de la historia que cuenta. Definitivamente será todo un clásico por décadas y décadas, y no sólo por la increíble tecnología que emplea, sino por el cuidado a los personajes y la integridad de la película en sí. Las intenciones de Cameron son claras, no quiere otra película para un rato de diversión, quiere algo más memorable e igualmente entretenido. Lo ha logrado.

3.  Drag Me To Hell

En cuestiones de terror hay de todo. Hay aquellas películas que se toman muy en serio y pueden causar pesadillas, The Ring, The Shining por nombrar algunas. Hay aquellas que se toman muy en serio pero son demasiado tontas para que alguien más las tome en serio, The Boogeyman. Hay aquellas que como Drag Me To Hell no se toman muy en serio y sin embargo son realmente efectivas por las mismas razones. Drag Me To Hell cuenta con una gran banda sonora y una historia muy original. También contiene escenas exageradísimas y varias instancias de contaminación de fluidos corporales. Y tiene a un demonio que no se da por vencido y que no se anda con rodeos. Un humor muy ácido con el que maneja la inverosimilidad de la historia. Todos estos elementos convierten a Drag Me To Hell en una de las mejores peliculas del año.

2. (500) Days of Summer

Una película que trata de la relación casual entre dos personas y lo que pasa en 500 días de conocerse. No parece mucho y es probablemente esa la razón por la cual es tan buena película. Porque no exalta falsamente a la relación como algo ideal y ultimadamente perfecto. Sino que experimenta con las percepciones de ambas partes para mostrar lo bello y lo malo de las relaciones humanas. Cuenta con muy buena música, buenas actuaciones y una edición muy efectiva, que no es cronológica y obedece más a los estados de ánimos de Tom.

1. Inglourious Basterds

¿Porqué Basterds y no Bastards? Y es que no importa, nos dice Tarantino, porque Hitler no murió así ¿pero que tal sí hubiese sido así? Inglourious Basterds representa una genuina experiencia cinematográfica porque contiene todos los elementos de entretenimiento y estílistica que hacen al cine el séptimo arte. Música, actuación, fotografía, historia, diálogos… todo funciona en esta película de Tarantino, al igual que lo hizó en Pulp Fiction. Y por eso, Inglourious Basterds es a mi parecer la mejor película del año.

Soy un ávido seguidor de los proyectos de Tim Burton. Me interesan las películas que mantienen un estilo tan marcado, claramente el trabajo de un auteur al estilo de Kubrick, Tarantino, Bergman, entre otros muchos. Claro, no los comparo por ser similares ni mucho menos, simplemente porque sus trabajos son indiscutiblemente producto de una mente audaz y sin miedo a decir algo.

En fin, este post sólo tiene el propósito de comentar el aspecto del nuevo filme de Tim Burton: Alice in Wonderland. Sí, el clásico de Lewis Carroll, inmortalizado por Walt Disney. Es una historia fascinante, con diálogos increibles y personajes muy intrigantes. La imagen que Burton le está dando a la película es algo aterradora, debo admitir. Pero también lo era el libro e inclusive la película de Disney, la cual fue causa de las pesadillas de un montón de niños que sabían que había algo mal con la película. Y claro, ni siquiera para un niño es normal admitir que la demencia es perfectamente aceptable y que muy dentro de nosotros, es el verdadero estado de las cosas.

Preparados para ver a Johnny Depp, Helena Bonham Carter y Anne Hathaway…

En las escuelas de arquitectura del mundo se les exhorta a los estudiantes a ver la película de The Fountainhead, protagonizada por Gary Cooper. Afortunadamente, cuando llegó la hora de ver la película yo ya había leído el libro y aprecié la híper simplificación de ideas que sucede en la película. De no haber leído el libro, habría entendido la película como una visión simplista, unilateral y casi ridícula de la profesión del arquitecto. Sin embargo, la trama original de Ayn Rand es mucho más que eso. Enorgullece al arquitecto el trato que se le da en la novela. Pero la película parece haber dado la idea errónea que la historia es acerca de la arquitectura. No lo es. La arquitectura es una herramienta que utiliza Ayn Rand para algo mucho más grande: la filosofía objetivista. La novela es una visión romántica de la arquitectura, y los personajes no son más que arquetipos.

Las ideas de Ayn Rand son radicales. Repudia la misericordia, la compasión, el sacrificio, y mantiene que en un mundo sin dioses, el hombre es dios. Descarta conceptos como la confianza, la emoción y glorifica la razón. Su mundo es romántico a más no poder, y lo encuentro muy atractivo. Es por eso que me encantaría que la historia se adaptara al cine bien hecha. Sí, propongo un remake. Simplemente porque la primera versión no funciona de ninguna forma. Hay dos opciones para el remake. Una es ubicar la historia en su contexto original, u otra mucho más atrevida es adaptarla a la situación actual.

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En la historia original el movimiento que representa el individualismo de Roark es el modernismo. ¿Qué movimiento es realmente racional, íntegro y honesto en la actualidad? Me parece que el enemigo de Roark no serían los neoclacisistas que insisten en agregar columnas griegas a todas las fachadas. Estoy convencido que la antítesis de Howard Roark es cada cliente que desea repetir el Guggenheim de Bilbao. Creo que el posmodernismo sería el nuevo neoclásico. Esto por el hecho de que el posmodernismo es anti racional, no mantiene a la función, a la integridad del edificio como su máximo enfoque. Sino que el posmodernismo sacrifica al edificio por su imagen. Por supuesto, estoy consciente de la simplicación que se hace de la arquitectura, la cual es necesaria para que ésta actúe como herramienta de Ayn Rand. Igual que sus personajes, la arquitectura debe convertirse en un arquetipo. Y no debemos confundir la extrema complejidad de la naturaleza de la arquitectura con la idea que The Fountainhead maneja. Eso, me parece, sería una gran equivocación.

Ahora pues, muchas veces he leído que Ayn Rand es para adolescentes o para radicales de derecha, aquellos que odian el comunismo. Se víncula al objetivismo con una actitud de rebeldía típica del adolescente. Una ingenuidad desbordante y gran inocencia son aspectos necesarios para poder creer en lo que dice Rand, dicen. Y los que lo dicen se convierten en arquetipos que la misma autora dibujó en sus obras. Tenemos a Wynand de The Fountainhead o a Robert Stadler de Atlas Shrugged como exponentes de aquellos que se han vuelto escépticos de su propia capacidad. Sin embargo, no considero que las obras de Rand sean los mandamientos de la moral, ni mucho menos. Al contrario, el individualismo es supremo. Y cada uno de los héroes de Rand tienen diferencias entre ellos. Esto es mucho más evidente en Atlas Shrugged, en donde su visión se ve completamente realizada.

En fin, no tengo sugerencias en cuanto a un director o a un cast de actores para un posible remake de The Fountainhead. No obstante, por alguna razón los nombres de Christopher Nolan, Alfonso Cuarón, Clint Eastwood y Lars Von Trier me vienen a la mente. No tengo idea de que pasaría si alguno de ellos tomara la dirección, pero sería muy intrigante ver una entrega de parte de cualquiera de ellos. Sin mencionar que Atlas Shrugged también está disponible para adaptación…

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Por mucho tiempo Danny Boyle ha sido un director que ha trabajado en las sombras, creando cine de calidad sin mucho reconocimiento. Por fin el británico ha roto todas las barreras y se ha dado a conocer, recibiendo el honor que ha merecido durante tantos años, todo debido a su último filme, Slumdog Millionaire.

Yo me interesé en su trabajo cuando vi Trainspotting, que si bien es una excelente película, no es mi favorita de él. Pero tenía elementos que me intrigaron, un cierto surrealismo muy crudo, esos acentos de Edimburgo y  Ewan McGregor como nunca antes o después. Fue una película que fue bien recibida y se convirtió en un clásico rápidamente.

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No obstante, sus siguientes trabajos pasaron casi por desapercibidos. Millions es una gran historia, muy bien dirigida y con un mensaje importante; definitivamente muy distinta a Trainspotting.

Pero fue hasta que vi 28 Days Later que me convencí que Danny Boyle era en realidad el gran director que es. Esta película de zombies es tan distinta a sus anteriores trabajos y sin embargo está la impecable direccion de Boyle. Las tomas correctas y las escenas precisas, visualmente poderosa y rica en composición.

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Así que una vez más me tomo por sorpresa cuando Sunshine llegó y se fue sin anticipación ni noticia. Sunshine es una película influenciada en gran medida por Kubrick, que visualmente impresiona y cuyo estilo es a la vez crudo y metafórico. Lo que Boyle hace con poco presupuesto es maravilloso, con efectos especiales mucho más intensos que Armaggedon o cualquier producción de Bruckheimer.

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Por lo que no fue sorpresa que Slumdog Millionaire fuera tan buena. Tampoco es sorpresa que la mayoría del público haya desconocido de la existencia de tal filme hasta la noche de los Golden Globes. Y tampoco debería ser sorpresa que esta película haya costado tan sólo 15 millones de dólares y que haya resultado de tal calidad sin sacrificar ni un poco de atractivo visual. Juega con la crudeza que vimos en Trainspotting (una escena recuerda al peor baño…), la inocente magia de Millions y una historia que se desarrolla paralelamente al lado oscuro de la humanidad, un tema que tocó en Sunshine y 28 Days Later.

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