Óscar o no, estas 15 películas de 2019 son simplemente imperdibles – Parte 3

Habiendo compartido con ustedes por qué películas en este punto bien conocidas como Parasite o Ford vs Ferrari, pero también otras que pasaron muy desapercibidas como Doctor Sleep y Midsommar, merecen la categoría de “imperdibles”, solo resta mencionar cinco más para completar nuestra lista de 15.

Además me desvié unos momentos para mencionar otras seis que pudieron haber entrado en el top 15, pero no lo están a pesar de ser incluso de las más nominadas. También he aclarado que no estoy contando el cine de superhéroes, aunque algunas de las producciones, como Joker y Avengers: Endgame podrían rivalizar con cualquiera de esta lista.

Ahora, es seguro que en esta lista que completaremos en esta entrada no aparezcan filmes que para ti fueron muy buenas y tampoco debería perdérselas cualquier cinéfilo. Esto se debe a que esta lista es una opinión totalmente personal, valorando aspectos de producción pero también su relevancia temática y la resonancia que tuvieron en mí, por lo que algunas películas como Dolemite is My name, The Rocketman y Knives Out (que me gustaron) y Once Upon a Time in Hollywod (que no me gustó) no fueron incluidas.

También pienso que películas que no alcancé a ver pudieron haber entrado en esta lista, pero por lo pronto no queda más que estar atento. Ejemplos de este caso son Portrait of a Lady on Fire y Uncut Gems.

Sin más, aquí van las últimas cinco, para completar mi lista recomendando 15 películas de 2019 que son simplemente imperdibles:

11. The Perfection (Richard Shepard)

Comienzo con una película, del género de horror, que en realidad fue proyectada por primera vez en septiembre de 2018, pero ahora anotada como película de 2019 a partir de que Netflix adquirió sus derechos de distribución. Protagonizada por Allison Williams y Logan Browning, esta historia que parte de una premisa a la Whiplash, donde un par de chelistas perfeccionistas comienzan una competitiva amistad durante un evento artístico en China, presenta giro tras giro, tan sorpresivos y tan a menudo, que sólo hasta los últimos minutos tienes una visión completa de la obra y cada intervalo es tan atrapante que la historia pudo haber tenido diferentes finales si alguno de esos intervalos fuera la clave de la narrativa, pero a decir verdad el curso escogido (seguramente planeado desde el inicio) es el más adecuado y satisfactorio.

Con esta película que lleva al extremo la fantasía del revanchismo (cuando la veas, creo notarás de qué, principalmente si eres mujer) hay que tener cuidado si el estómago es frágil, si crees que Once upon a time in Hollywood tuvo un buen final, o si te está afectando mucho a los nervios la epidemia por coronavirus (en la realidad, o por hipocondría).

12. The Boy Who Harnessed the Wind (Chiwetel Ejiofor)

Increíble que la obra debut de Chiwetel Ejiofor como director no haya tenido tanta repercusión aún con su masiva distribución por Netflix. En ella, un joven William Simba interpreta magistralmente a William Kamkwamba, un héroe de la vida real que a inicios de los 2000’s construyó un molino de viento con materiales locales y mucha entrega al estudio, para salvar a su comunidad de la sequía en una villa extremadamente pobre de Malawi, en el sudeste africano.

La premisa lo cuenta todo y no hace falta abundar, pero considero que si bien The Boy Who Harnessed the Wind es una película de por sí con una calidad suficiente para competir, se cuece totalmente aparte por su optimista mensaje acompañando el crudo retrato de la marginación urbana y rural, que también se puede sentir como una sacudida para reaccionar ante los millones de personas que hoy día viven aún en pobreza extrema y alimentaria, desestimando cualquier pretexto de índole geográfico, tecnológico, político que aquellos que vivimos en una realidad considerablemente más privilegiada deseemos atribuirnos para estar cómodos en la inacción.

13. 1917 (Sam Mendes)

Lo digo y lo sostengo: 1917 es una buena película, aunque no creo que sea la mejor de 2019. Me son extrañas las notas y opiniones que la comparan con las otras grandes competidoras al Óscar a Mejor Película, o cuando la comienzan a analizar comparativamente con otras joyas del cine bélico utilizando un marco de referencia histórico purista. Creo que la historia del realineamiento de las fuerzas alemanas y la vida atrincherada de las fuerzas británicas durante la Primera Guerra Mundial es tan sólo la excusa, y que los logros cinematográficos (que en realidad no son un one-shot genuino) son tan sólo el móvil, el medio de transporte para contar la historia, pero el corazón de esta película está en otro aspecto más primordial de lo humano: el peligro del terreno desconocido.

Así como en Parasite una buena parte del suspenso emana de las sorpresas que esconde el espacio arquitectónico, considero que en 1917 el peligro, la confusión, el miedo y el dolor son aspectos acentuados por el terreno no conquistado. En dos horas, vemos recorrer a los protagonistas aparentes largas distancias, con peligro apenas a cada tantos cien metros. La trinchera, las minas explosivas, las fosas y ríos con cadáveres, las villas rústicas, un avión en llamas, los pueblos destruidos, torres para uso de francotiradores y sobre todas las cosas, barreras artificiales y territorios extraños, son la verdadera fuerza motora que me hizo sentir alejado del concepto de hogar seguro y de protección, algo comparable a la sensación que provoca de tanto en tanto The Revenant. Como cereza del pastel, me mata que el personaje de Benedict Cumberbatch al final, con una simple línea de diálogo, nos sitúa de nuevo en lo trivial que resulta cualquier pequeña misión, cuando otros poderes gobiernan las vidas que se usan como piezas en el juego bélico, desde siempre. Independientemente si coincide con eventos mundiales actuales o no, la apreciación por esta obra se sostiene sobre piedra sólida. 

14. Little Women (Greta Gerwig)

Algunos discursos insisten en reconocer a Little Women como buena película porque “es de mujeres”, pero a mi parecer estos discursos son flojos para comentar las mejores cualidades de esta película de Greta Gerwig. Me adscribo a la noción de inicio porque, en efecto y siguiendo la tradición que ahora suma siete adaptaciones al cine de la obra literaria de Louise May Alcott, noto que es una película especialmente significativa para las mujeres y para el futuro creativo de este género en la industria, pero también creo genuinamente que todo en esta película fue perfecto.

Puede que tenga que ver que es la primera vez que me adentro en esta historia (no he leído el libro y no hacía en el mundo las películas anteriores), pero aun con ese factor pienso que hay una serie de cualidades que equipan esta entrega con todas las armas para ganar el Óscar a la Mejor Película a la cual está nominada. Las actuaciones (especialmente Saoirse Ronan, Florence Pugh y Laura Dern), la química entre los personajes es perfecta, la transición desde adolescente hasta adulta de cada una de las chicas es totalmente natural y cada personaje no femenino es introducido en la dosis adecuada para no echar a perder el a todas luces protagonismo de una familia con diferentes gradaciones de aspiración personal, algo de lo que frecuentemente el mismo guion se burla y auto-refiere en un tono atemporal que igual puede ser el del Siglo XIX o el de mañana en la tarde.

Además de estos aspectos, me he encontrado también con la apreciación de que esta joya rompe la estructura típica de la inmortal obra, fundiendo lo ficticio con lo anecdótico y escapando la encapsulada realidad que se está contando para hacer guiños intrigantes a la vida misma de la autora, la directora y guionista, las actrices, las productoras, las lectoras… en fin, las espectadoras. 

15. Jojo Rabbit (Taika Waititi)

Concluimos esta lista que no tiene ningún orden preferencial con Jojo Rabbit, del imparable director neerlandés de What we do in the shadows y Thor: Ragnarok, Taika Waititi. ¿Por dónde comenzar? Quizás por el hecho de que algunos críticos y hasta Scarlett Johansson  (quien interpreta a la mamá de Jojo) al inicio, aún no digieren la disruptiva premisa: un niño alemán iniciándose en las juventudes Nazi (con una interpretación de Roman Griffin Davis que deja impactado a cualquiera) tiene como amigo imaginario una versión caricaturesca de Hitler (Taika Waititi) y tiene que ir revalorando sus propios sesgos y perspectivas, cuando descubre que su madre oculta a una niña judía en el sótano, además de presenciar y formarse una actitud ante los horrores urbanos de los últimos meses antes de la caída de Berlín en 1945.

Entre las cosas que hacen imperdible a esta película está el hecho de que, más que la sátira boba, hace una deconstrucción de las categorías de buenos y malos que acostumbra el cine bélico en Hollywood, de la ilusión de seguridad e inmunidad de la niñez tanto de daño físico como moral y formativo, de la reverencia en automático a todo aquél personaje que no es Nazi, de la supuesta y supernatural astucia villana de los mismos alemanes Nazi – por ejemplo al personaje de Sam Rockwell claramente le va y viene mucho de lo que está pasando – y la noción perezosa de que la maldad sólo está en los actos y no en los símbolos, o de que es inescapable no importa las condiciones contextuales o la voluntad de uno si se da la oportunidad de cuestionar, escuchar y sentir empatía. En la sala de cine, hay quienes se ríen y quienes no. Yo casi no me reí, pero no era necesario. La historia del pequeño Johannes Betzler tiene su efecto por la compleja heterogeneidad de los ingredientes que despiertan más de una emoción a la vez.

En fin, aunque no hay un orden preferencial en la lista de quince, creo por el balance que logra en su absoluto desdén por una política cliché tanto de tocar fibras sensibles perpetuando estereotipos, pero también de no tocarlas para nada para jugar en terreno seguro, Jojo Rabbit sí es una de las tres definitivamente imperdibles de 2019, pues logra satisfactoriamente salir avante con un poderoso mensaje contra el odio y la alienación ideológica incluso desde la inocencia. We can be heroes.

Óscar o no, estas 15 películas de 2019 son simplemente imperdibles – pero antes, las que pudieron haber entrado en esta lista

La última parte de este top estará dedicada a las películas que tuve oportunidad de ver y valorar durante el invierno. Ya sea por su valor narrativo, su audacia cinematográfica, su peso emocional o su comentario social, es seguro que algunas de estas películas puedan ser recordadas como unas de las mejores del año, junto con las 10 anteriores, estén o no estén en la mira de quienes deciden los premios al mejor cine, como por ejemplo la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas que estará proyectando su 92va edición hoy en la tarde.

Sin embargo, vale la pena reconocer primeramente ciertas menciones honoríficas, o más bien filmes que pudieron haber entrado a este top.

Como recordatorio, en estas entradas no estoy considerando ninguna película del género de superhéroes: ni Glass, ni Joker, ni Avengers: Endgame, ni Shazam…

The Lighthouse (Robert Eggers), un filme que por poco mantengo en este top 15, pues su ejecución cinematográfica es prácticamente perfecta y su trama que se antoja predecible evoluciona de una manera inesperada, rayando en lo fantástico aún con la muy simple premisa sobre dos hombres sufriendo fiebre de cabina en una remota isla con un faro, durante una tormenta. Sin duda un filme arthouse sólo destronado de la lista por filmes con más resonancia en mí.

Klaus (Sergio Pablos) es una película animada con quizás los más impresionantes resultados a la fecha – en 2D. Pero eso no lo es todo, porque la premisa, que podría hacer girar los ojos antes de verla (es una mirada fresca y creativa a la historia de origen de Santa Claus detrás del mito), en realidad se ejecuta de una forma totalmente innovadora, moralmente satisfactoria y extremadamente entretenida. Otra definitivamente casi merecedora de entrar en la lista.

The Two Popes (Fernando Mereilles) es una, por sorpresa, entretenida película con momentos de humor y buen corazón genuinos. Pero tal y como ocurre con otras entradas en esta lista, dejar al aire la postura que los protagonistas tienen sobre temas profundamente relevantes sobre el mundo y en su lugar darnos una cátedra (literalmente) que ya conocemos, un poco mezclada con filosofía ontológica y ética, aunque para mí es muy interesante, le queda debiendo a nuestro bastante fracturada sociedad. Aun con todo, como The Lighthouse y Klaus, esta película. que cuenta con actuaciones que se sienten como si John Hopkins y Jonathan Pryce fueran los verdaderos papas filmados en un documental, estuve muy cerca de incluirla en la lista final.

The Irishman (Martin Scorsese), que lejos de todo el chisme y al parecer gimmick de pelearse con el cine de superhéroes, en realidad Scorcese hace valer cada minuto de las tres horas y media de The Irishman. Este gigante producido por Netflix se siente como un homenaje al arte del director y un vistazo a las últimas décadas de Estados Unidos desde el sesgo y cosmovisión de ciertas células formales del crimen organizado, cuyos miembros son despojados de relevancia con el paso del tiempo. Y quizás ése es su problema, porque no es algo que no hayamos explorado ya antes con Francis Ford Coppola y el mismo Scorsese. ¿Hasta qué punto nuestra nostalgia nos va a llevar a seguir humanizando mafiosos? Claro que son humanos pero, ¿realmente conocemos el impacto de sus acciones? ¿Le toca al cine indagar en ello o basta con que se quede en telenovela? La línea es muy escurridiza y el área gris tiene muchos gradientes sin duda, ese mensaje si me pega y con él decido quedarme.

Marriage Story (Noah Baumbach), es otro éxito indudable de Netflix por su poderoso valor emocional y un despliegue de talento de sus dos actores protagonistas, Adam Driver y Scarlett Johansson, quizás su mejor trabajo a la fecha. Pero es el énfasis en el personaje masculino y, en mi percepción, cierta intención de redimirlo, aún cuando claramente es un esposo capaz de violencia, algo latente desde el inicio, lo que redujo mi entusiasmo por esta historia. Creo que esta historia impactará de maneras muy interesantes a cada quien. Algunas personas sentirán empatía por uno u otro protagonista, se proyectarán e interiorizarán el desarrollo de personajes como aprendizaje. Otras sentirán tristeza por la cruda representación de un sistema matrimonial basado en el contrato económico y en la ilusión de que todo, hasta tu hijo, es una propiedad.

Dolor y Gloria (Pedro Almodóvar) está siendo difundida como uno de los mejores filmes del año y sin duda es un firme contendiente a Mejor Película Extranjera en los Óscar, aún con Parasite de competencia. Pero para mí hay un problema extraño con esta película y es que creo que llegó quince años tarde, pues en 2004 tuvimos La Mala Educación, también de Almodóvar. No puedo evitar ver ambas películas como casi idénticas, la cara buena y la cara mala de casi los mismos temas. Es importante ver las dos para entender a qué me refiero. Una manera de ver todo este asunto es que Dolor y Gloria parece haber llegado para redimir La Mala Educación, dando un final satisfactorio sin necesidad de cimentar el desarrollo de los personajes queer en la tragedia, una variación bajada de tono pero aun así muy melodramática del Bury your gays en el medio. En fin, todo esto al menos en mi opinión y supongo que el punto de la película de 2004, que no obstante considero buena, era otro y quizás si no la hubiera visto, tendría una actitud más entusiasta y una sensación de mayor frescura con la de 2019.

Ahora sí, pasemos a la Parte 3 de la lista…

 

 

 

 

 

 

Óscar o no, estas 15 películas de 2019 son simplemente imperdibles – Parte 2

En esta segunda parte de la lista, me concentraré en tres filmes extranjeros excepcionales que podrían hasta cierto punto considerarse “independientes”, y dos películas que increíblemente pasaron bastante desapercibidas por el público en general este año, a pesar de su buen nivel.

Comencemos por éstas últimas. De nuevo, no están en un orden en particular ni tampoco respecto a las cinco anteriores que compartí a finales de octubre.

6. HUSTLERS (LORENE SCAFARIA)

Hustlers de Lorene Scafaria muestra a Jennifer López liderando un reparto de mujeres para contar una historia basada en la realidad que ocurrió a mediados y finales de los 2000’s, cuando bailarinas y trabajadoras de clubes nocturnos estafaron a hombres de Wall Street por medio de elaborados esquemas de engaño, intoxicación y robo de sus tarjetas de crédito. Hombres que, por cierto, no se animaban a denunciar o compartir el hecho debido a que, aparentemente, que te robe una mujer bailarina del club al que fuiste es vergonzoso.

Con la hilaridad de la premisa, la comedia está en el genial diálogo y desarrollo de personajes femeninos, mientras que el mensaje ulterior es más una actitud cínica y Robin-Hood-esca de los flujos financieros en el campo de los poderosos. Para el personaje de J-Lo, la violencia sutil que acompaña el robar e intoxicar está plenamente justificada. Es una violencia de género y de estatus invertida, no sin sus consecuencias habituales por supuesto dentro del marco de referencia del sistema de siempre…. pero no por ello necesariamente inválida.

 

7. DOCTOR SLEEP (MIKE FLANAGAN)

Un filme que para algunas personas no funciona (y en verdad no les entiendo), para otras como yo resultó como una de las presentaciones más exquisitas, estimulantes y dignas de atención de este año, conociendo o no el antecedente. Doctor Sleep no clasifica en el género de súper-héroes, pero no le pide nada a éste. Es un thriller sobrenatural con un protagonista psíquico lidiando con los pasados de la infancia que lo llevan e enfrentarse a seres arcanos que devoran a otros psíquicos como fuente de energía.

Así es como la película se describe en pocas palabras, pero esto no captura ni el 5% de lo que se trata. Y esto es porque, fundamentalmente, Doctor Sleep es la adaptación de un de una secuela de uno de los mejores libros de terror y a la vez secuela de una de las mejores películas de horror en la historia del cine: The Shining (El Resplandor). Por esa razón, el reto para Mike Flanagan era triple: cumplir con las expectativas de los fans de Stanley Kubrick; las de Stephen King, quien despreciaba la adaptación de Kubrick de su libro; y las de la crítica cinematográfica y de los espectadores. Doctor Sleep cumplió con todo, adaptativa, cinematográfica y estilísticamente, pero la gente no acudió a verla a las salas tanto como se lo merecía.

¿Pero qué la hace buena, en nuestra opinión?

Son muchos factores y detalles difíciles de resumir debido a los numerosos nodos que poseen la historia, pero el asunto podría sintetizarse en que el abordaje y la conciliación de las nociones contradictorias entre el libro homónimo y el filme clásico de The Shining, logra producir en Doctor Sleep un resultado íntegro y excelente por sí mismo, sin deberle nada a sus antecesores. Para el lector de King, no cabe duda de que la amenaza es de orden sobrenatural personificada en lo físico, ya sea un cuerpo influenciado por los espíritus, o un objeto, como el edificio mismo del Hotel Overlook, según su grado de shine, mientras que para Kubrick, la posibilidad se dejó a la ambigüedad, siendo la amenaza una especie de arquitectura mística por sí misma, profundamente hostil con sus usuarios a los que les puede ocasionar la locura y extrapolar la violencia y el abuso, con o sin espíritus de por medio.

Para Flanagan, la amenaza no es una o la otra, es todas las anteriores y otras más: la nostalgia, el trauma, la soledad, la arrogancia y la alegoría de los depredadores muy reales que habitan en el mundo.

 

8. ATLANTICS (MATI DIOP)

La entrada a mejor película extranjera de este año a los Premios de la Academia por parte de Senegal fue adquirida por Netflix para su distribución, por lo que puedes acceder a verla en estos momentos. El debut directivo dela senegalesa-francesa Mati Diop, con nombre Atlantique o Atlantics, nos lleva a un lugar y circunstancia remotos, teniendo como premisa la historia de hombres senegaleses que abandonan la construcción de un imponente rascacielos por no recibir paga en cuatro meses, aventurándose a ultramar para buscar una mejor vida en España. La película trata de lo que pasa después con los habitantes del suburbio, con especial énfasis en la vida de mujeres jóvenes, algunas de ellas con quien estaban relacionados sentimentalmente.

Atlantique toca temas de profunda relevancia social en la actualidad, ya que en ocasiones olvidamos que las migraciones masivas entre regiones del mundo, en su mayoría son forzadas. Pero en esta particular ocasión, la historia incorpora a la mitad un giro trascendental con el que logra resonar en el alma.

Sin entrar en detalles, este giro sobrenatural y sofisticado impacta de una manera muy peculiar las reacciones y evolución de los personajes, y la cinematografía, por su sencillez, guarda un parecido extraño y lógico al cine documental, dejándonos una sensación nostálgica como si estos acontecimientos realmente hubieran ocurrido, por lo que nuestra reacción no puede ser otra que el anhelo y el luto.

Esperamos seguir muy de cerca la carrera de Mati Diop y de todo su equipo de producción, así como de Mame Bineta Sane, Ibrahima Traoré y el resto del hermoso reparto.

 

9. I LOST MY BODY (JÉRÉMY CLAPIN)

Pensar en cine de animación en la actualidad tiende a encasillarnos en Disney, Pixar, Dreamworks o Anime. Otro subconjunto notable lo conforma un variado grupo de títulos con temáticas, estilos o procesos de producción cada vez más explorados por el cine principalmente independiente. En este caso, I lost my body del francés Jérémy Clapin -también disponible en Netflix-, tanto tema como estilo y proceso alcanzan un nivel satisfactorio cada uno, comenzando por un profundo amor por dos inesperados protagonistas: una mano y un joven repartidor de pizza.

Cuando una mano humana cobra vida en el refrigerador de laboratorio que la guardaba y se da cuenta que no tiene su cuerpo, emprende una aventura imposible por recuperarlo recorriendo la ciudad, enfrentando todos los riesgos urbanos esperados a su escala y contexto. En paralelo (o retrospectiva), un joven repartidor de pizzas que tiene sentimientos por una bibliotecaria emprende su propia aventura para acercarse a ella. La segunda historia, depende del enfoque que utilicemos para verla, pudo haber resultado incómoda si no hubiera sido por el premio en los últimos minutos de la película, justamente por la razón de que no es condescendiente con sus protagonistas.

En lo global, la joya de esta película es la experiencia fenomenológica del impulso por ser y la posibilidad de humanizar, mediante la fantasía, aquellas cosas que damos por hecho son nuestras y pueden de pronto dejar de serlo. ¿No sentiríamos impulsados a recuperarlas? ¿Qué tanto las necesitamos?

I lost my body es un ejemplo de cine de animación bien planificado y ejecutado, con dos líneas narrativas cada una por sí sola entretenida, que convergen casi al final en un vuelco del concepto de lo propio y en una jovial celebración de la vida.

 

10. PARASITE (BONG JOON-HO)

La película del surcoreano Bong Joon-ho, en otra ocasión encargado de llevar Okja de Netflix a Cannes y ayer encargado de llevar un Golden Globe a su país, es tan buena como has escuchado que es… por razones que no te esperas. Parasite entra en la categoría de thriller y “black comedy” de manera muy forzada, pero no tenemos otras que le hagan justicia. Una invención personal –con mucho esfuerzo- para encontrarle un género, lleva el nombre de neo-drama urbano dual-satírico, con elementos de noir-thriller arquitectónico.

Y ahora explicaré por qué esta muy original y absurda etiqueta.

La historia base es un drama, que comienza con momentos de aparente frivolidad y picardía, cuando una familia pobre sistemáticamente se hace pasar por un individuos altamente calificados para estafar a una familia rica y ocupar su casa por razones relacionados con sus improvisados empleos, eventualmente creando una bola de nieve imparable que los pone en la cuerda floja contra el tiempo y situaciones emergentes no planeadas, arriesgando se expuestos no solo a la verdad, sino a verdadero peligro. Esta premisa necesariamente funciona en un contexto actual, porque es probable que nunca se haya visto algo similar, un contexto que se caracteriza por profundo contraste entre el rico y pobre en una misma ciudad, donde ambos son satirizados. Y no cualquier ciudad, sino una con acelerado crecimiento económico y, ahora nos enteramos, desigualdad y disparidad en la calidad de sus asentamientos y servicios. No es solo una crítica, o por lo menos, una toma, al que tiene y no comparte, sino al que no tiene y se las ingenia para quitar. Ambos son, en la práctica, parásitos.

La película no está completa, no obstante, sin su componente de thriller arquitectónico, una etiqueta que le he asignado a muy pocas obras cinematográfica, donde la principal amenaza o elemento catalizador del peligro es el espacio arquitectónico. En Parasite, la casa donde los Kim llegan a trabajar para los Park es referida en múltiples ocasiones, como una obra magistral de un famoso arquitecto, que más adelante revela poseer en su diseño un peculiar pero bastante sensato aditivo, tan oscuro en su diseño como el hacinado habitáculo de los Kim, donde ocurre más “actividad parasitaria” de la que al inicio identificamos y nos reímos; esto en total contraste con un impecable jardín motivo de orgullo y vanidad, que es donde acontece el clímax.

Al final, no es claro quiénes son los héroes, pero la villanía podría pertenecer tanto a los personajes que toman malas decisiones, por malicia, privilegio, imprevisión o improvisación durante el desarrollo de la historia, como a la intangible y mucho más tóxica atmósfera de lo contrastante.

Óscar o no, estas 15 películas de 2019 son simplemente imperdibles – Parte 1

Parece que 2019 en verdad se ha estado esmerando en sorprendernos con tantos hechos, cambios y retos de escala planetaria en ámbitos sociales, culturales, políticos y medioambientales. Coincide que el mundo del cine hizo lo propio. Entre récords financieros superados y nuevas representaciones visuales sobre temas reflexionados por siglos, comparto a continuación una muy personal lista de 15 películas imperdibles, ya sea por sus aspiraciones estéticas, sus atrevidos guiones o sus poderosas ejecuciones técnicas o de actuación. Para poder digerirlas mejor, partiré la lista en partes, mencionando 5 por cada artículo, de manera que podríamos ponernos como meta revisarlas y disfrutarlas, con calma, cada una ellas. La lista no está en ningún orden en particular. Y sí, estamos hablando de películas de diferentes géneros y países, además de Avengers: Endgame y Joker.

1. Ford vs Ferrari (James Mangold)

James Mangold se ha ganado un lugar en el cine comercial, entre otras cosas, por contarnos la última historia de Wolverine en Logan (2017). Su dirección de Ford vs Ferrari (20th Century Fox) es una hazaña épica en toda su extensión, relatando los acontecimientos conducentes al derrocamiento de Ferrari por parte de Ford en la carrera de resistencia 24 horas de Le Mans, utilizando el Ford GT40 diseñado bajo el liderazgo de Carroll Shelby (Matt Damon) y Ken Miles (Christian Bale). Los entusiastas de las carreras de autos y su historia seguramente la están recibiendo como una de las mejores cosas en el mundo, y los no conocedores no nos sentimos para nada excluidos.

Ford vs Ferrari es fuerte en planificación y ejecución. Es metódica en la construcción de su historia y suficientemente convincente en los aspectos ingenieriles automotrices. También posee audacia visual y sonora para representar la acción y el peligro que rodea la experiencia de una carrera, bien combinada con espacios de introspección, pero quizás lo más brillante es su muy buen humor y personalidad.

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2. John Wick: Chapter 3 – Parabellum (Chad Stahelski)

Cuando en 2014 vimos a Keanu Reeves vengar el asesinato de su perro emprendiendo una solitaria guerra contra el crimen organizado, nadie esperaba que esta fuerza inamovible siguiera de pie varias películas más. Esta tercera entrega de la franquicia John Wick (Lionsgate) abona a la historia con acción recargada llevada al estéticamente justificado absurdo.

No hay más que decir, John Wick 3 es un juego de paintball de todo el día, una danza de espadas con verdadero filo y una sucesión de inyecciones de adrenalina, una acción tras otra o todas al mismo tiempo, como gustes.

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3. Little Joe (Jessica Hausner)

A pesar de ser comparativamente menor, Little Joe (Coop99, entre otras) se encuentra en esta lista por aportar un par de ideas interesantes con una burda, extraña y por ende curiosa ejecución. El filme, de producción austriaca, halló eco en audiencias occidentales después de que Emily Beecham, quien interpreta a la protagonista Alice, ganara el premio a la Mejor Actriz en Cannes. Lejos de esto, la propuesta de Jessica Hausner en esta ocasión no tiene punto de comparación. El un poco inverosímil guión relata la posibilidad de que plantas modificadas genéticamente para producir químicos que inhiban la depresión en los humanos, terminen por controlar a voluntad a éstos para que siempre las mantengan vivas, incluso incitándoles a cometer crímenes al sentirse amenazadas. O al menos eso parece, no tenemos la seguridad de que de eso se trate. ¿Puede haber punto de comparación con películas de M. Night Shyamalan? ¿Con historias de Aldous Huxley, o Stephen King? ¿O con la sobrepoblación de películas sobre “zombis infectados”? Tal vez, pero eso sería un poco forzado.

A la producción no parece importarle mucho hacer convincente esta historia, más bien parece una gran sátira de la facilidad con la que nos conformamos con aquellas vivencias que nos hacen “felices”, aún a costa de perder la lectura de la realidad. Ojo: los pocos personajes que cuestionan esto, lo hacen porque tienen un atributo especial y también comparten un mismo destino. Eso es en mi opinión lo que hace este filme un tanto intrigante, pero nunca suficientemente perturbador. Se siente más bien alegre, aun con sus saturados colores y composiciones sonoras de sobresalto. Y estamos conformes con eso.

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4. And then we danced (Levan Akin)

And then we danced (French Quarter Film) es un filme de Levan Akin, un cineasta sueco de origen georgiano, cuya temática comprende aspectos de cultura nacional, coming-of-age, romance queer y drama adolescente. Sigue la historia de Merab (Levan Gelbakhiani) en su intento por convertirse en un bailarín profesional de la tradicional danza georgiana, con ocasionales desvíos de su aparente propósito debido a diversas y humanas circunstancias, entre ellas la atracción por un compañero de baile. Al final todas ellas lo encaminan a conocerse mejor y terminar por aceptar una posibilidad: que su futuro no tiene que ser como lo dictan los dogmas culturales de su país.

Este filme posee más de un hito narrativo, sin que quede claro cuál es la ruta hacia el mejor desenlace  y en ocasiones parecía que por poco tomaba un camino que se antoja injusto para la audiencia. Pero al final esto nunca es el caso. La película ni cansa ni repele, y sus mejores momentos son aquellos que nos abofetean con las más tiernas demostraciones afectivas, sin cuidado del género, relación y masculinidad de los personajes, así como la recompensa por la tenacidad asumida por Merab para alcanzar sus metas personales, la mayoría de ellos momentos que son acompañados de la música (en tiempo real dentro de la historia) más profunda, resonante e interpretativa de otras cosmovisiones.

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5. Midsommar (Ari Aster)

Aunque prometí que el orden de la lista no era importante, tengo que aceptar que Midsommar (A24, entre otras) es la superior de esta primera tanda de cinco. Si Ari Aster no captó suficientemente los titulares con Hereditary, ahora en 2019 con Midsommar seguramente será inevitable. Florence Pugh interpreta a una graduada de psicología que se enfrenta a una terrible pérdida familiar y posteriormente viaja al norte de Europa a presenciar las tradiciones de una antigua comunidad druida durante el solsticio de verano. Ella es quien lidera esta historia de horror genuino con una actuación que ahoga como el océano y que, inmersa en la imagen completa del filme, es capaz de evocar emociones oscuras desde cualquier ámbito que la veamos.

Es muy importante explicar por qué esta película es de horror, pero al mismo tiempo difícilmente califica como thriller psicológico o de terror. La película es gráfica y con imágenes violentas, pero no sólo por vejaciones al cuerpo, sino por su penetrante existencialismo y su antropología híper-realista. Lo anterior pudiera hacernos pensar en horror shows al estilo de Ruggero Deodato, pero Midsommar no puede calificar realmente de obscena. Es cruda, sentimental y empática en un extremo bastante incómodo, pero salvo por una o dos cuestiones de guión, es casi perfecta en su recompensa. ¿Puede un filme que evoque esos sentimientos y que posea esas características, realmente calificar como suspenso o thriller? En mi opinión, lo que tenemos de frente más bien es el horror genuino, aquél que: a) nos asombra y nos asusta por pensar que puedan existir seres humanos tan diferentes a nosotros; b) nos hace ver las fallas en nuestra propia sociedad, más cruel y desalmada que esas sociedades distantes; c) nos hace sentir un culpable placer y tranquilidad por la venganza de las sociedades aisladas, en contra de aquella donde vivimos; d) nos produce y hace compartir dolor puro.

¿Es posible que la falta de empatía sea tan horrible para el extraño acostumbrado a ella, como para nosotros es la des-individualización del ser, ultrajado de su egoísmo e ilusión de control sobre su vida?

 

 

Creciendo con The Cranberries: 7 canciones esenciales

Dolores O’Riordan, vocalista de The Cranberries y recientemente fallecida, ha sido mi cantante favorita desde que la escuché por primera vez. Es la voz que me acompañó a crecer, como niño y adolescente.

Mi tía Gaby (quince años mayor que yo, por lo que ella era adolescente cuando me criaron junto a sus hermanas y hermano) ponía Zombie, Linger y Animal Instinct a mediados y finales de los 90’s. Mi madre también disfrutaba de la banda irlandesa de pop y rock, diciendo que se sentía identificada de alguna manera con la combinación de voz, melodías y letras, muchas veces contrastantes en tono o humor (¿proyección?).

Yo también notaba esa versatilidad. Cada canción expone un caso, idea o sentimiento y ya sea de manera sencilla o dura, resuena con belleza en muchos de nosotros, sus seguidores, porque tendemos a asociarla con una experiencia o estado de ánimo que podemos citar con precisión.

Es por eso que comparto, en ningún orden en particular, 7 canciones esenciales (aparte de las clásicas Zombie y Linger) del periodo de 1993 a 2002. Todas se pueden encontrar en el álbum de compilación Stars lanzado en 2002.

Ode to my family

Del álbum No need to argue, 1994.

Si conoces los instrumentos de rock y la voz agresiva que caracteriza Zombie, la primera canción de esta lista podría ser una sorpresa. Ode to my family es una canción bella por su sencillez. Extrañar a la familia, nada más que eso, merece como tema esta nostálgica y reconfortante melodía.

Unhappiness, where’s when I was young
And we didn’t give a damn
‘Cause we were raised
To see life as a fun and take it if we can

My mother, my mother she’d hold me
Did she hold me, when I was out there
My father, my father, he liked me
Oh he liked me, does anyone care?

Analyse

Del álbum Wake Up and Smell the Coffee, 2001.

Analyse podría ser una contribución débil de la banda, pero está también en el lado «austero» del repertorio y por eso me encanta. No sobre-analizar, fluir y disfrutar los aspectos más simples de la vida es su único mensaje. Algo de lo que requiero recordatorio constantemente.

Close your eyes
Close your eyes
Breathe the air out there
Fantasize, fantasize
We are open 

For you open my eyes
To the beauty I see
We will pray, we will stay 
Together

Time Is Ticking Out

Del álbum Wake Up and Smell the Coffee, 2001.

Cantarle a temas cotidianos puede ser hasta cierto punto cursi. Creo que los fans de The Cranberries apreciamos esa cualidad como balance emocional a la oferta de música pop superficial, o bien a aquella más depresiva y llena de ansiedad de otros géneros – que también escuchamos. Time Is Ticking Out no apela a ninguna emoción en particular ni es una protesta desgarradora como Zombie, simplemente socializa la amenaza del cambio climático, algo que a la fecha muchos en posición de poder increíblemente siguen negando al público.

Looks like we screwed up the ozone layer
I wonder if the politicians care
And time went out, and time went out

What about our children then?
Is there nothing left for them?
We don’t know, we don’t know
For me love is all, for me love is all

Las tres canciones anteriores, sencillas y cotidianas, pueden tener un efecto relajante y de ambientación, pero las siguientes son para muchos de nosotros, golpes directos que sacuden el alma, la mente y el corazón.

Ridiculous Thoughts

Del álbum No need to argue, 1994.

En Ridiculous Thougts, la voz con la que abre Dolores (que no sale en la versión de Stars) y que asociamos con el lado más «druida» de la banda, nos advierte que ésta es una de esas melodías que quieren liberar la angustia y ansiedad de ciertas ideas destructivas. Como Elijah Wood en el vídeo, queremos guiarnos hacia un estado de paz no obstante los taladros insistentes con los que quieren lastimarnos fuerzas externas.

I feel alright and I cried so hard, The ridiculous thoughts, oh. 
I feel alright, alright, alright, alright. 

Twister, oh, I shouldn’t have trusted in you. 
Twister, oh, a na na na. It’s not gonna happen, no. 
You’re not gonna make fun of me, 
Happen now, na na na na. 

Promises

Del álbum Bury the Hatchet, 1999

Promises es una canción definitiva para, por ejemplo, la ruptura amorosa. Es agresiva y llena de nostalgia (tantas cosas que se me ocurren cuando la escucho), porque deja ir al mismo tiempo que reclama permanencia. Estando acostumbrado a la voz pacificadora y celestial que Dolores evoca en otras canciones, Promises me provoca una combinación de actitud «f*ck-it-all» y tristeza, pero de lo cual se puede obtener gracia. El vídeo es oscuro, fantasioso y extrañamente divertido a la vez.

What of all the things that you taught me
What of all the things that you’d say
What of all your prophetic preaching
You’re just throwing it all away

Maybe we should burn the house down
Have ourselves another fight
Leave the cobwebs in the closet
‘Cause tearing them out is just not right

Why can’t you stay
Here awhile
Stay here awhile
Stay with me

Animal Instinct

Del álbum Bury the Hatchet, 1999

Puede ser que Bury the Hatchet sea una buena compilación de temas amorosos y des-amorosos, pues Animal Instinct es otra canción penetrante sobre la familia. Canción y vídeo tienen claramente como tema la maternidad y el amor a los hijos, aunque podemos extrapolarla a muchas más situaciones en las que salen a relucir nuestras emociones más primordiales. Aunque te invada la confusión, el egoísmo, el miedo, una vulnerabilidad mental o de salud… aunque exista una amenaza en conocidos, desconocidos o en quien alguna vez confiaste, no luchar por tu sangre y por quien amas no es una opción.

It is a lovely thing that we have
It is a lovely thing that we
It is a lovely thing, the animal
The animal instinct

So take my hands and come with me
We will change reality
So take my hands and we will pray
They won’t take you away
They will never make me cry, no
They will never make me die

Dreams

Del álbum Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?, 1993

Si eres un amigo o amiga cercano o por casualidad te lo llegué a comentar, sabrás que Dreams es mi canción favorita de todos los tiempos. Esta canción la reservo para dar un «reset» a mi estado de ánimo y me ha acompañado en tantos momentos importantes, alegres o tristes, que cada vez que leo o escucho de la reacción que produce en otras personas, toda barrera o frontera humana se desvanece. Para mi cuerpo y mi mente es una terapia, pues reacciono a ella sin poder evitarlo. Para mi alma es una inyección de energía y esperanza, recordándome a mi hermano, mis padres, mis amistades. Los sueños son entornos que construimos sin querer o queriendo (si son lúcidos) y algunas personas a veces quisiéramos permanecer en ellos más tiempo del que pasamos en el mundo real. Pero de vez en cuando, si nos permitimos vivir, la realidad ofrece momentos tan bellos que no necesitamos volver a soñar.

And now I tell you openly, you have my heart so don’t hurt me.
You’re what I couldn’t find.
A totally amazing mind, so understanding and so kind;
You’re everything to me.

Oh, my life,
Is changing every day,
In every possible way.

And oh, my dreams,
It’s never quite as it seems,
‘Cause you’re a dream to me,
Dream to me.

Redes neuronales y el backprop del artista compresor

¿Cómo describirías tu pieza musical favorita?

De tratar de hacerlo, tal vez empezaría por describir los sonidos en relación a categorías, géneros. Pero lo más importante para mi es el aspecto emocional e intelectual. Al final, la música la percibo más allá de mis sentidos. La satisfacción de consumir arte no sucede en los receptores del cuerpo humano, sino en el procesamiento de esta información. Al percibir una obra de arte, esa información es transformada y modificada de tal forma que nuestra mente la interprete de acuerdo a la informacion contextual y las memorias que tenemos disponibles. El resultado es una respuesta emocional que se traduce en activación hormonal u otros procesos fisiológicos.

¿Cómo sucede esta síntesis de información que el artista plasma en una obra?

La obra de arte contiene una cantidad finita de información que provoca reacciones muy complejas en diferentes individuos. El artista parte del conocimiento de arquetipos y símbolos colectivos. Hasta cierto punto, el artista tiene la capacidad de predecir respuestas de individuos que comparten un marco cultural. Estos símbolos se expresan principalmente a través del contenido de la obra. El qué nos dice la obra. El cómo es algo más complejo. La yuxtaposición de contenido y forma es lo que provee la estructura que activa diferentes reacciones neuronales que terminan en una respuesta en el receptor del arte.

En el campo de machine learning existen una familia de algoritmos conocidos como neural networks o redes neuronales. Estas redes consisten en una serie de operaciones no-lineales que transforman un input para producir un output. Las redes se usan como emuladores de otros procesos mucho más costosos. Por ejemplo, los convolutional neural networks (CNN) se usan para reconocer imágenes. Uno de estos CNNs puede ser calibrado para identificar entre gatos y perros. En la práctica, el algoritmo sería presentado con una imagen y éste determinaría si se trata de un gato o un perro.

El algoritmo es agnóstico: no tiene conocimiento de lo que significa ser un perro o un gato. Pero al ser calibrado, se convierte en capaz de determinar las características más fundamentales que hacen un perro a un perro. En teoría, los cerebros humanos hacen algo similar. Podemos describir con palabras a un perro o a un gato pero díficilmente podríamos encontrar una clara delimitación entre estos dos, en base a sus características visuales. Sin embargo, hay transformaciones de las imagenes de estas dos categorías en las que es posible demarcar una diferencia clara. En matemáticas hay algo conocido como manifold hypothesis que alude a este concepto: todas las formas, bajo transformaciones homeomórficas, son separables. Imaginen un nudo. En teoría, hay transformaciones isotópicas que deshacen este nudo. Una vez que un objeto ha sido sujeto a estas transformaciones, el nudo es separable. En el ejemplo del clasificador, los dos lazos del nudo son gato y perro.

A mi me parece que nuestros cerebros procesan el mundo de una forma similar a una red neuronal. La complejidad del cerebro humano es mucho, mucho mayor a la de los algoritmos. Sin embargo, nuestro cerebro toma algo tan complejo como una obra de arte y produce algo que entendemos y que trasciende las palabras. Es decir, nuestro lenguaje no ofrece esa transformación adecuada para describir el significado del arte. El significado se esconde bajo algo más fundamental que sólo se vislumbra en una serie de transformaciones que parten de un marco referencial único a cada individuo.

Pero lo más increíble es la compilación que hace el artista. El artista toma ese marco de referencia individual en el que puede conceptualizar sus emociones o sus ideas y lo traduce a una representación física que es capaz de transmitir esta información a otro ser humano. Es decir, el artista, de alguna forma, ejecuta la acción inversa a la de interpretar el arte.

La clasificación entre gatos y perros de la que hemos hablado sucede en un proceso llamado forward propagation. Durante este proceso, la imagen del gato es transformada para ser separable y clasificable. Sin embargo, cuando se calibra la red neuronal, se hace a través de algo conocido como back propagation (backprop). Este proceso consiste en calcular gradientes del output con respecto a los filtros o kernels del algoritmo. Es decir, calibra los parametros de estos filtros para realizar las transformaciones adecuadas para identificar entre un perro y un gato.

El artista, me parece, ejecuta un backprop. Calibra la forma y el contenido de su obra de tal forma que produzca la respuesta que él o ella desea. Todo esto sucede sin que el artista lo haga conscientemente. Probablemente sea a través de la intuición o de mecanismos que no entendemos o no conocemos. Pero el resultado de una obra de arte efectiva es un impulso de información sintetizada que al interactuar con nuestros receptores neuronales, produce respuestas que el artista transmite, pero en formas que el artista jamás pudo predecir porque carece del marco referencial del receptor. Esta cuota de información debe ser interpretable por otros humanos. De ahí que sea necesaria una gran sensibilidad para generar la encriptación adecuada.

Jurgen Schmidhuber tiene una serie de teorías en las que trata de explicar el arte, el humor, el placer, etc. Schmidhuber parte del principio de complejidad informática de Kolmogorov que habla de la información comprimida más pequeña que es computable. Algo así entiendo el papel del artista. La obra de arte más efectiva es esa compresión de informacion intransmitible a través del lenguaje, pero que es descomprimible por nuestra red neuronal biológica.

No pretendo comparar el nivel de complejidad de los algoritmos que utilizamos en machine learning a los mecanismos biológicos. Sólo creo que podemos entendernos a nostros mismos a través de las formas creativas en que utilizamos matemáticas para transformar el mundo perceptible (y también aquel que no lo es).

Call Me By Your Name: Sobre La Belleza

Call Me By Your Name de Luca Gudagnino puede ser resumida como una película sobre el primer amor. La historia es bastante simple: un estudiante de posgrado (Oliver) visita Italia para estudiar arqueología y durante su breve estadía se enamora de Elio, el hijo del profesor con el que trabaja.

Pero la ventaja del arte es aquella de dotar de verdad a esas cosas que con tanta facilidad podemos expresar. Es fácil describir la historia pero es mucho mas díficil transmitirla. Guadagnino lo hace magistralmente. La obra de arte que el director italiano ha creado es una que trata de exploración y de la belleza asociada con ese descubrimiento.

Hay bastantes elementos que trabajan en conjunto en el contexto de Call Me By Your Name. El tema de estudio de los personajes es la arqueología. En específico se enfocan en la exploración del arte griego en Italia. Es decir, la busqueda de la belleza antigua. La escultura griega se caracteriza por la idealización del cuerpo humano. Las formas, a veces anatómicamente imposibles, exhuberan belleza platónica. Lo platónico es aquello inalcanzable, aquello fuera del mundo material. En estas formas griegas, sus artistas plasmaron una belleza efímera. Ahora la descubrimos deteriorada, olvidada y exaltada a través de su descubrimiento. Es decir, la obra de arte no es infinita: se materializa y decae hacia una muerte temporal de la que despierta cuando es re-descubierta. Una vez que vuelve a la vida, la obra de arte tiene un nuevo significado. Ahora liberada de su espacio-tiempo, adquiere mil nuevos significados. ¿Entonces era realmente platónica?

El otro punto contextual importante es el lenguaje. El lenguaje está estrechamente ligado a la arqueología. Y en el caso de las lenguas occidentales, las raíces las trazamos al griego y al latín principalmente. En una escena, los personajes discuten el origen de la palabra albaricoque (chabacano) y la evolución de la misma a través de los siglos. El punto es que el lenguaje evoluciona, se adapta y se transforma según su contexto. Los grafemas son constantemente re-interpretados. En una expresión del zeitgeist, las palabras adquieren nuevos significados. Al igual que el arte, el lenguaje es re-descubierto constantemente y, en un ejercicio postestructuralista, el significado de las palabras es fluido.

Ahora pues, podemos ver que en el trasfondo, Guadagnino sitúa esta idea de evolución de las cosas. Además, nos prepara para entender a la belleza como algo efímero destinado a entenderse con la distancia del tiempo.

Cuando conocemos a Oliver, la primera impresión de Mr. Perlman es que Oliver es una figura imponente. Esta idea de Oliver como algo más que un humano se construye a través de las tomas de Oliver. Una y otra vez, cuando Elio y Oliver comparten escenas, vemos a Oliver desde abajo, como veríamos una escultura. El físico de Oliver es también el de una escultura griega. Pero la verdadera belleza yace en la relación de Elio y Oliver. Para Elio, todo es un acto de descubrimiento. Si bien, Oliver es esa obra de arte que Elio descubre, el arte sucede cuando los dos se unen, aludiendo a esa idea postestructuralista de la dependencia del significado del objecto de un significador. La construcción del amor en este filme se hace de esta forma: Elio y Oliver participan en una dialéctica semiótica en la cual Elio descubre el amor a través de Oliver. El resultado, la relación entre estos, es la obra de arte. La belleza de las imágenes del filme es indescutible. La fotografía es impecable y ese valor artístico eleva esta historia a un nivel contemplativo.

La relación entre estos dos termina. Como el arte que estudian los personajes, el tiempo pone un ultimátum a esta obra. Y una vez que termina, es muy doloroso. La película termina con esta muerte del amor entre Elio y Oliver. La última escena tiene a Elio frente al fuego llorando mientras repite en su mente, una y otra vez, esta historia que acaba de concluir. Su expresión nos dice que a través de ella, solo encuentra dolor, ante la ineludible realidad de la conclusión. Is it a video, is it a video repite una y otra vez Sufjan Stevens en el fondo en la canción Visions of Gideon. Esta es la clave. Su primer amor, esa obra de arte, se ha convertido en otro objeto que ha decaído y deberá ser re-descubierto en un futuro. Sólo al verlo como un video en el futuro, Elio podrá apreciar su belleza. En este momento, el objeto que fue esa historia de amor sólo significa sufrimiento porque ha terminado. Pero el tiempo, la madurez y la evolución de Elio le darán un nuevo significado. Tal como las raíz de las palabras, esta experiencia del primer amor es raíz de muchas otras cosas en la vida de Elio. Tal como el arte griego, estaba destinado a ser efímero. Pero también es platónico, porque persiste en esencia, aunque su significado sea fluido.

El final es triste pero no trágico. La audiencia, con la ventaja de una perspectiva más objetiva, puede aceptar el valor de lo que Elio ha vivido, aun si no podemos negar el dolor que le ocasiona en el instante. Al final, toda esta retórica que he escarbado de Call Me By Your Name es transparente. Es decir, no obscurece el valor más grande de la pelicula: la narrativa. La historia es contada con naturalidad, llevada a cabo por las increíbles actuaciones de todo el elenco. Mi película favorita del este año.

Exigiendo cuentas al statu quo

En esta ocasión aprovecho para hablar de la importancia de la candidatura del senador Bernie Sanders a la presidencia en EUA y el porqué no hay equivalencia entre Sanders y Clinton.

En EUA los miembros de cada partido político eligen a sus candidatos a través de un sistema representativo. Es decir, eligen delegados que votan en representación de los ciudadanos. Ya que cualquiera puede ser miembro de un partido y correr para ser funcionario público, podría darse el caso de elegir un candidato que no vaya acorde a los principios del partido. Para ello, el partido Demócrata estableció un sistema de protección al designar superdelegados, es decir, funcionarios, políticos y otros insiders del partido que tienen mayor representacion y deciden en base a su conciencia (o donaciones). Muchas veces, los superdelegados expresan su apoyo por un candidato incluso antes de las elecciones. Ese fue el caso en 2008 y 2016 con Hillary Clinton, quien recibió apoyo mayoritario de los superdelegados. El voto de los superdelegados no cuenta hasta el ultimo día de campaña. Sin embargo, tiene un efecto psicológico al promover a un presunto nominado. En noviembre del 2015, Clinton tenía ya el apoyo de 259 delegados mientras que Sanders contaba con 8. Sin duda, al agregar 251 delegados de ventaja a los reportes de resultados, se fue dibujando una narrativa de inevitabilidad sobre Clinton.

La pregunta es ¿por qué cuenta Clinton con tanto apoyo del partido Demócrata?

Y la respuesta está en su contrincante. Bernie Sanders es el tipo de candidatos por el cual existen superdelegados. Es un candidato que no representa los intereses del actual partido Clintoniano (de Bill) demócrata que promueve el neoliberalismo y perpetúa la plutocracia. En un estudio de la Universidad de Princeton, Martin Gilens encontró que el sistema de EUA díficilmente puede ser caracterizado de democrático. En cambio, el gobierno parece sólo responder a los intereses de una pequeña élite con dinero. Y en realidad no hay diferencia entre los partidos cuando se trata de responder a intereses especiales. Sanders representa un cambio de paradigma. Es un candidato que ha construído una campaña sin donaciones corporativas. Se opone a la decisión de la Suprema Corte de Justicia que decidió caracterizar a las corporaciones como personas con libertad de expresión en forma de dinero. Sanders es verdaderamente una amenaza para aquellos que han estratégicamente construído un futuro político basado en el status quo. 

El estudio de Princeton afirma algo que ya todos los ciudadanos saben instintivamente. La aprobación del congreso es de alrededor de 11%. Es contundentemente claro que los ciudadanos no aprueban de los dos principales partidos, Demócrata y Republicano.

¿Por qué no votar por otra opción?

El hecho de que alrededor de 50% de la población de EUA rehusa a asociarse a un partido nos dice que los ciudadanos están listos para nuevas opciones. Sin embargo, un tercer partido no es viable en el sistema estadounidense. Los dos partidos principales gestionan toda la organización política del país. Estos dos deciden quién participa en debates en cadenas nacionales, y al tener estos completo control del gobierno, se oponen a cualquier propuesta que amenace su hegemonía. Por esta razón Sanders, un político independiente, tuvo que lanzarse en la plataforma de uno de los partidos.

Pero el partido Demócrata solía estar alineado con las posturas de Sanders. Sus programas para reactivar la economía son una versión moderna del New Deal de Frank D. Roosevelt. Sus programas sociales son una continuación del Great Society de Lyndon B. Johnson. Acceso a la educación y salud universal son ideas por las que el partido Demócrata ha abogado por muchos años. El argumento de Clinton es que no es una opción viable. Esto lo expresa después de haber recibido millones en donaciones de la industria de aseguradoras médicas. Una vez más vemos que la democracia es coartada por un sistema que permite la influencia del dinero en la política.

El problema de la influencia del dinero en la política es uno de los más grandes que tiene EUA. Esto es lo que le da poder desmedido a las corporaciones y al 0.1% de la población que ha ido acumulando riqueza por décadas e incluso siglos. El poder político que adquiere la élite capitalista va en contra de la idea del mercado libre. La realidad es que no hay libertad de mercado cuando unos pocos tienen tanto poder de negociación y palancas políticas, sólo por el hecho de poseer mayor riqueza. Un claro ejemplo es la gradual desreglamentación del mercado bancario a partir del gobierno de Ronald Reagan. Este respondió a las necesidades de aquellos con mayor influencia política: los bancos. Reagan terminó desregulando el mercado; esta práctica se volvió tan popular que el partido Demócrata terminó adoptándola en la estrategia de transformación del partido con Bill Clinton. Este último terminó por rechazar Glass-Steagall, una pieza legislativa que evitaba que los bancos metieran capital en inversiones de alto riesgo. El resultado fue la crisis financiera del 2008. Enseguida, Barack Obama recibió millones en donaciones para su campaña presidencial de la industria bancaria y Wall Street. Hasta la fecha sólo un banquero ha sido enjuiciado por el fraude que resultó en la crisis. No es sorpresa que Wall Street se oponga a la idea de un presidente Sanders.

Muchos justifican la inequidad económica invocando la idea de la meritocracia. Es decir, hay una idea penetrante de qué todos tenemos el nivel económico que merecemos, de acuerdo a nuestro trabajo. Esto ignora el hecho de que no todos tenemos el mismo acceso a la educación y oportunidades. También ignora, por ejemplo, que el salario de un CEO se basa en el dinero que produce para sus inversionistas, y no en el valor que provee su producto. Esto puede parecer una contradicción, pues si un producto es de alto valor, este resulta en ganancias. El problema es que la calidad del producto no es la única forma de producir dinero para los inversionistas. También se pueden inflar artificialmente las acciones de una empresa, o reducir prestaciones y salarios a los empleados, entre otras prácticas que no aportan nada a la sociedad. ¿En base a qué valor definimos los salarios?

El mercado de inversiones de Wall Street solía promover el valor y calidad de los productos. En concepto, es una muy buena idea. Pero en la práctica, Wall Street, en gran parte, consiste de algóritmos dedicados a formular millones de microtransacciones, que en conjunto generan millones de ganancias para los inversionistas sin agregar valor o promover desarrollo. Bernie Sanders propone un pequeño impuesto a estas transacciones especulativas, con lo cual se recaudaría para pagar por las universidades públicas.

La otra propuesta costosa de Bernie Sanders es el sistema de single-payer healthcare que consiste en que el gobierno actúe como aseguranza médica única. No se trata de socializar la medicina, sino de cubrir todos los gastos médicos con fondos del gobierno. El fondo vendría de un nuevo impuesto. La alza de impuestos hay que ponerla en contexto del sistema actual. En la actualidad, el costo del seguro recae sobre el individuo o la empresa para cuál trabaja. El sistema está plagado de ineficiencias y resulta ser el más costoso del mundo, sin ventaja apreciable en calidad de servicio. Esto se debe a que las aseguranzas están llenas de abogados tratando de maximizar las ganancias para sus empresas. Al final del día, la mayoría de los ciudadanos pagarían menos con un impuesto nuevo, de lo que pagan actualmente. Bernie Sanders considera que el acceso a la salud y la educación deben ser derechos universales.

Estas son algunas de las razones por las cuales una candidatura de Bernie Sanders no puede ser sustituída por una de Hillary Clinton. Pertenecen al mismo sistema sólo en nombre. Sanders propone una revolución política, en la cual pretende movilizar a los ciudadanos para exigir sus derechos ante el gobierno. Clinton propone una continuación del sistema.

Bernie Sanders se autodenomina democratic socialist, siguiendo la herencia de Eugene V. Debs y Martin Luther King Jr. Su mensaje es simple: justicia. No hay más que eso.  En una sociedad justa todos tendrían las mismas posibilidades de atención médica y educación. En una sociedad justa todos pagarían impuestos progresivos de acuerdo a su riqueza. En una sociedad justa se atacaría el racismo y discriminación estructural. En una sociedad justa las voces serían escuchadas a los mismos decíbeles.

 

¿Votar?: Nuevas ideas para no faltar a este democrático festejo

De nuevo es año electoral local en Baja California y otros estados. Este 2016 trae consigo nuevas oportunidades al experimento de nuestra joven sobre-ofertada y sub-demandada democracia bajacaliforniana (Johnny, 2016. Conversación por celular a la 1:27 pm de este sábado). Pero, ¿estaremos preparadas y preparados para hacer válidos nuestros anhelos y nuestros reclamos, por medio del voto?

En 2013 escribí sobre el fenómeno que se vivía aquél año y también sobre la naturaleza histórica y matemática de las elecciones en sí.  A la fecha sostengo muchas de mis afirmaciones de ese entonces, pero hoy quiero compartir una reflexión un poco más madura, trillada y optimista, estructurada en una serie de puntos que emanan de una rápida e informativa conversación con un buen amigo, al cual llamaré Johnny.

Y para que no se preocupen, tengo por ahí unas fuentes adicionales para reforzar y sustentar (cough cough sesgo de confirmación cough) mis afirmaciones.

“Tengo la idea, la ligera impresión, con tantos candidatos, de que Baja California tiene una oportunidad como nunca antes de tener elecciones democráticas”

– Yo, preguntando tímidamente algo en lo que no soy experto.

Piénsenlo. Hay más de 10 candidatos a alcaldes y diputados tanto en Tijuana como en Playas de Rosarito. Aún hay más partidos, sólo que han hecho coalición con uno de los principales.

El bipartidismo no es un problema en 2016, tampoco las pocas opciones. Los candidatos que han llegado hasta donde están lo han logrado con el respaldo gubernamental, partidista y ciudadano y las candidaturas independientes se han disparado. El INE y el IEEBC han organizado una serie de debates que nunca hubiéramos imaginado posible, con tantos contrincantes que termina por reducirse el tiempo por candidato, convirtiendo el encuentro en una sesión de cordiales (pero poco informativas) auto-presentaciones.

Pero bien, hay que tener cuidado: CGPGrey nos advirtió de esto en el video con animales que puse en aquél post de 2013. Vamos a ver qué pasa con aquellos que no sobrevivan el registro y desaparezcan, ya que esto se calcula a partir de los votos válidos. Todos los miembros del reino animal, de acuerdo a CGPGrey, tendrán que comprometerse y hacer coaliciones con los animales fuertes.

Por otra parte, está el riesgo del “efecto spoiler”, que limita la posibilidad de ganar de los partidos opositores, y el principio de “gobierno de minoría”, ya que se distribuye tanto el voto que aquél candidato que gane sólo lo habrá hecho con el respaldo de un 15% o 20% de los votantes, claramente una minoría. ¿Qué pronósticos hacer de esto? Si las matemáticas operan por su cuenta como lo han hecho en el pasado, eventualmente el sistema recaería de nuevo en uno bipartidista.

“Ah, no sólo eso. También leí en una noticia en mi muro de Facebook que el Tribunal Electoral permite que la planilla de los candidatos independientes pueda llegar a tener regidores en el cabildo, de acuerdo a los votos obtenidos. Entonces aunque no ganen, tendrán representación en la administración”

– Yo, optimista y contento con la fórmula para vencer los dos males identificados por CGPGrey.

Ya otro amigo, que es un mapache (no confundir con mapache electoral), había oído con entusiasmo esta aseveración de mi parte, desanimado de que no sea así en Estados Unidos (mi amigo mapache apoya activamente a Bernie Sanders).

Las implicaciones técnicas de esto son asombrosas. Los regidores, en calidad de “city councilers” podrán meter en la agenda de los ayuntamientos todos los temas abanderados por las candidaturas independientes. En el cabildo, un voto de un regidor vale lo mismo que un voto del alcalde, y todos sabemos [sic] qué son los regidores y sabemos que en número son mayoría en el cabildo. ¿Cómo funcionaría esto en la práctica? Johnny dijo algunas cosas interesantes al respecto, más o menos a la 1:31 pm en nuestra conversación por celular.

Yo creo que México en lo general es muy democrático, pero muy corrupto. La democracia en ocasiones ha terminado por legalizar la corrupción.

– Johnny, pensativo y en tono de maestro que pacientemente le explica a un estudiante cómo es la vida real.

Johnny nos explica que la democracia sirve principalmente para dos cosas: una, para elegir a la autoridad y renovarla cada cierto tiempo; dos, para hacerlo sin que nos demos fregadazos. Viendo la legislación, los procedimientos y otras cosas, parece que, en efecto, México es muy democrático. Pero en la práctica, la comunidad tiene un desencanto con la autoridad y la democracia debido a que percibe mucha corrupción.

Desde luego, esto parece ser cierto. La corrupción en el país parece ser grave y no sólo en las instituciones. Permea en la comunidad con acciones tan simples como mentir, encubrir delitos, desconocer las leyes y reglas y permitir que éstas sigan siendo desconocidas. Día a día, los ciudadanos estamos rodeados de circunstancias que nos facilitan actuar de manera corrupta. Ya sea el sistema monetario, la ignorancia, la flojera o la falta de empatía hacia otros, la tentación es grande y aún mucho más para los ciudadanos que acceden al poder.

Lo que se refiere Johnny con la legalización de la corrupción de la democracia, intentaré explicarlo ejemplificando como caso una institución que, ahora, al ser más inclusiva y permitir más la participación de entidades externas en la toma de decisiones, se vuelve más lenta y crea una necesidad de que más actores negocien entre ellos. En su afán de que más actores voten y sean considerados, la institución ha perdido poder de aplicación de las políticas públicas, se ha entorpecido y encarecido, porque los actores “jalan” en diferentes direcciones. Esta institución podría enfrentarse a un problema de gobernabilidad.

Y en el caso de los regidores, es verdad que podrán participar en el cabildo impulsados por diferentes planillas, pero si la mayoría pertenece al partido ganador, la toma de decisiones unilateral puede efectuarse de todas maneras. Además, ¿cuántos ciudadanos saben que existen los regidores?

La comunidad tiene un desencanto con la autoridad y la democracia debido a que percibe mucha corrupción. La gente se queja, pero no vota.

 

Johnny identifica la baja participación en las urnas como el principal problema que puede mandar al traste absolutamente todas las bondades de nuestro sistema mexicano y bajacaliforniano. Existe una sobreoferta y una sub-demanda de democracia: la gente pocas veces manifiesta su opinión en la manera convencionalmente efectiva, que es el voto. Esperemos que la abstención pueda ser revertida con esta nueva configuración.

Lo que si hay es mucha opinión y queja. Pero creo que la libertad de expresión, sagrada en todas sus concepciones, debe ser a toda costa defendida por medio de la difusión ágil de información confiable y el razonamiento, no del chisme urbano.

Es por eso que quiero concluir con algunas ideas, muy personales, sobre indicadores a considerar para hacer efectiva esta democracia aparentemente servida en charola de plata:

 

1. Quiero votar y recomiendo que todos votemos. Por quien hacerlo, cada uno tendrá sus razones, pero hay que hacerlo. La abstención al voto es un síntoma de que no estamos celebrando la democracia y no la creemos posible. Si es así, entonces no tenemos argumentos serios para quejarnos.

2. Para escoger por quien votar, quiero informarme lo más que pueda y sugiero que lo hagan también ustedes. Hay que prender el detector de bullshit y tenerlo funcionando al 100%, sobre lo que digan los candidatos y sobre cualquier tema de la comunidad. Noam Chomsky, en uno de sus últimos documentales (disponible en Netflix), citó a Adam Smith para explicar cómo la adquisición de los servicios y productos en una libre economía debía ser informada, para llegar a una decisión racional. No es el caso la mayoría de las veces, las campañas se han convertido en mercadotecnia. A veces se limita el acceso a la información, para fomentar una decisión desinformada e irracional.

3. No quiero votar por un candidato, ni por un partido. He madurado y me he dado cuenta que otorgar de personalidad una entidad abstracta como un partido o una figura fabricada como un candidato sesga la valoración de la oferta en lo global. Que sea hombre, mujer, natal, del partido en turno, profesionista, del pueblo o candidato independiente no lo/la convierte automáticamente en la mejor opción. Aplica lo mismo al partido. Frases trilladas como “todos son lo mismo (menos yo)”, “soy un candidato ciudadano” o “vengo de un partido con experiencia” son argumentos tan huecos como simplemente decir “tu no preguntes, no sabes de esto, nomás vota por mí y ya”. Desde luego esto no aplica si ya perteneces a un partido, porque tienes tus razones y está excelente. Y si un partido o un candidato cumple con los requisitos que como persona informada nos hemos fijado, para nada deberíamos descartar apoyarles.

4. Algunos quieren votar según las propuestas y las ideas. Suena bien, pero yo quiero ir un poco más allá. Me interesan los proyectos y posibilidades estratégicas de llevarlos a cabo. Existe información disponible al respecto, al alcance de todos. Busca en las páginas de los candidatos, en los planes y programas públicos. ¿La ciudad y la comunidad van en la dirección que quieres? ¿Es sustentable? Muchas veces, lo que se necesita es habilidad para dar seguimiento a los buenos resultados y revertir los malos. Es simplemente absurdo pretender por parte de un candidato que se pueda encontrar el hilo negro y pueda renovar la manera en la que se hacen las cosas cada 3 años. Es verdad, es posible hacer cambios radicales, pero no de manera mesiánica. La comunidad tiene que dar el respaldo y en su conjunto tiene que ir por dicha transformación. Quiero participar en el diseño de la ciudad.

Y bien, ¿qué opciones ofrecen metas realistas? Y de acuerdo a tus necesidades, o las que consideras que tiene la ciudad, ¿qué opción te parece que posee el diagnóstico más acertado de tu realidad?

Impresión en 3D en el proceso creativo arquitectónico

La impresión en 3D se ha posicionado en todas las industrias por su gran potencial en relación a economía de recursos, eficiencia y flexibilidad morfológica y material. La infiltración de esta tecnología ha sido muy rápida, tal vez demasiado rápida en algunos casos, como en la industria aerospacial. En esta última, la caracterización de los materiales a través de las diferentes escalas estructurales (especímenes de prueba, componentes, etc.) es requisito ineludible para la certificación. En el caso de la impresión en 3D, la fabricación va un paso adelante del análisis, el cual no ha logrado alcanzar suficiente sofisticación para proveer resultados confiables.

Pero en esta entrada quiero reflexionar sobre otra aplicación: la impresión de modelos arquitectónicos.

Cada vez más, las nuevas generaciones han adoptado las máquinas como una extensión del cuerpo humano. Para muchos arquitectos un teclado y un mouse siguen siendo transgresores obstaculizadores para la imaginación. En mi experiencia visitando despachos arquitectónicos, la dinámica general consiste en que los directores creativos del proyecto sean generalmente los de mayor experiencia. Estos diseñan en sketches a mano alzada y con bloques de madera, yeso o cualquier basura con atributos geométricos atractivos. En cambio, los arquitectos más jóvenes traducen esas formas a formato digital para que eventualmente pueda surgir un proyecto real de una maqueta improvisada. Es decir, la tecnologia, en este caso, tiene un papel limitado en el proceso creativo. Sin embargo, las nuevas generaciones son capaces de sumergirse en el mundo digital y proyectar su creatividad a traves de los diferentes recursos electronicos a su alcance.

Pero no hay duda que la arquitectura se vive en su real esplendor a través del tacto y de la experiencia visual que resulta de postrarse en el mismo marco espacial que la estructura. Es decir, la arquitectura es ultimadamente una experiencia física (y tal vez metafísica). Es aquí donde entran las maquetas, ya sean para presentación o como vehículo del diseño. Sin embargo, las maquetas son tardadas y por tanto, costosas.

Enter 3D Printing.

Con la impresion en 3D, es posible imprimir espacios diseñados digitalmente con alta fidelidad. La tecnología es costosa todavía, pero también ha demostrado que el punto de accesibilidad está cerca. Con ello, viene la posibilidad de iterar sobre diseños basados en retroalimentación obtenida de la experiencia espacial y no solo visual a través de la pantalla. Como ejemplo dejo el siguiente video que muestra la experiencia de estudiantes de arquitectura con esta nueva tecnología. Esperemos que el momento en que la impresora en 3D se vuelva tan común como el plotter en las escuelas de arquitectura no esté lejos.